HIFI日记：破除HIFI神话，回归音乐本质

这是BLOG主撰写的第二篇行业日记，第一篇行业日记“由数播及CD界面漫谈音乐行业”，我们聊了一下实体音乐、数字音乐之于整个版权音乐行业的意义，系统性的回顾了音乐载体发展的历程。时隔多年，BLOG主因为看到了下面这样一条回复，打算再次聊聊自己对“HIFI”的理解。

引言：从一个“好问题”开始

不论是新烧还是老烧，我们或多或少都曾经问过“我们追求的HIFI，究竟是在追求什么？” 。这个问题看似简单，却直指现代音频消费文化的核心。BLOG主认为，当前广大烧友接触到的“HIFI”（High Fidelity，高保真），与其诞生的初衷早已产生巨大偏离。HIFI这个词被泛化、曲解、偷换概念，形成了一条自上而下的，对音乐爱好者群体性催眠，或者也可以说是：PUA。

一、 “高保真”的迷思：到底谁在扭曲HIFI的定义？

1、从“技术标签”到“身份标签”

HIFI的本意是“高保真”，也可以理解成“高度忠实于原始声音”，这是一个纯粹的技术概念。然而，在商业化的浪潮中，这个概念被巧妙地偷换和拓展了。

从“技术标签”到“身份标签”：HIFI从一个描述设备性能的形容词，演变成了一个代表“品味”、“专业”甚至“阶层”的名词。厂商和媒体通过数十年的宣传，成功地将“音乐爱好者”与“HIFI追求者”画上等号，营造出一种“不玩HIFI，就不算真正懂音乐”的社区氛围。

其实我们很容易就能破除这个迷思，比如我们可以问问自己：“是不是过去的人就不配听好音乐？”、“是不是一定要HIFI级别的设备才能听懂音乐？”答案是显而易见的，这种将HIFI潜移默化的重新定义，就是一种消费主义下的身份构建，而并非基于纯粹的音乐欣赏。

2、“定义权”争夺

为什么要重新定义“HIFI”？为什么选择“HIFI”这个词？首先，HIFI这个词是一个抽象的概念，他是对一类或者多类音频相关技术、追求的统一性概括。不论是英文还是翻译的中文，他都十分简单、易懂。媒体、个人都能很好地运用这个词汇。跟当下流行的“AI”、“元宇宙”之类的词汇其实是一样的概念。

但问题的发生，就在于HIFI这个词本身的概括性和抽象性上。在漫长的时光中，HIFI虽然保留了“高保真”这一核心，但是其涵盖的“范围”、“细节”则被多次重新定义。而对这份独一无二的“定义权”争夺，则是早就当下“HIFI”被极大泛化、曲解，以至于被当做PUA工具广泛使用的罪灰祸首。

对于HIFI厂商而言，一套既能实现宣传推广的需求，也能实现技术细节的登记划分的标准尤为重要。实际上，HIFI领域从不缺少这类“标准”，技术向的“哈曼曲线”，主观向的“音频二十要”，本质上都是服务于音频领域的标准。实际上，有通用的标准肯定是好事，否则就只能拼营销了。

因此，我们可以看到，具有较强研发能力的厂商，开始利用其研发和资本优势，将HIFI定义为可量化的技术指标（如信噪比、失真率、频响曲线）。参数越高，越“HIFI”，价格也越昂贵。这时候，HIFI成为了一个可以帮助厂商进行合理溢价的“科学”依据，不少朋友其实很早就发现了这个问题，为此专门创造了“科HI”这个叫法，以此来与“HIFI”做出区分。其实仔细想想就会发现，“科HI”是一个明显带有揶揄属性的新词汇，本质上，是烧友不满意“参数、指标”侵占了“HIFI”的定义权而做出的合理抵抗。

但必须声明，BLOG主不反对甚至是支持通过“参数和指标”来论断一个硬件设备的，但是正如一个充电宝即使过了3C，也不代表就一定不会炸。“参数和指标”只是衡量一个产品最低下限的东西，而最核心的使用体验、聆听体验，应该是由听众说了算的。但是这个问题，正好就引出了下一个需要重点讨论的“定义权争夺”焦点：KOL（意见领袖）

在面对传统HIFI厂牌时候，新品牌加入赛道最好的方法是什么？是创造出漂亮的产品？还是挖掘产品声音的潜力？其实都不是，当前新兴HIFI品牌大多数选择的做法是：创造KOL。它们通常会创造一个品牌的调性、展示出关键调音岗位或者干脆是老板的“独特品味”或者“从业经验”，强调某种绑定品牌的“独特的调音”。这种行为乍一看，似乎是遵循了“HIFI”是一种表达艺术追求的行为。但实际上，各位朋友仔细一想就会发现，这种将塑造品牌意见领袖的做法，实际上做的是剥夺或者降低听众的发言权。KOL们通过将HIFI定义为一种难以量化的“艺术感受”。通过社群营销，塑造品牌忠诚度，将自己的产品定义为“真正懂音乐的人的选择”。

这种做法自古就有，到今天已经成为了行业规则（或者潜规则）的一部分。只不过相对于多数高昂代价的兴趣，HIFI在群体性规训这件事上，确实走的更深、更远。不管是通过量化参数还是通过“KOL”来定义HIFI，这两种路径，最终目的都是一样的：为自己的产品赋予权威性，从而实现商业价值。而站在消费者角度，我们就会一直身处在信息茧房之中，逐渐被剥夺知情权和发言权。仔细回想一下，你是不是早就无法通过任何商家提供的文案，了解到一个产品的真实水平了？

二、音乐是艺术，而非科学实验

音乐作为一种抽象的艺术，其魅力正在于其不确定性和多义性。作曲家、演奏家和录音师共同完成了一次创作，但这只是艺术链条的前半段。当听众的耳朵和大脑介入时，二次创作才真正开始。听众的个人经历、情绪状态、文化背景甚至当下的环境，都会与音乐本身发生化学反应，产生独一无二的感受。

正如同为艺术的“绘画”、“文学”等领域，从来只听说过“一千个人眼中有一千个哈姆雷特”，却鲜少有听到“我们必须按照作者的想法去理解哈姆雷特”这一论调；当然我们也不可能真正解开“蒙娜丽莎的微笑”这一秘密，因为解密的过程，本身就是对艺术表达的一种背叛。

因此，如果强行以一种要求、一种目标来规训音乐（不管是创作还是聆听），艺术将失去创意的土壤，音乐也会迎来消亡。实际上，“响度战争”所带来的恶果正是当下音乐行业面临的重要挑战，而这也是因为群体性的规训而产生的结果。

而从BLOG主自己的专业来说，心理声学（Psychoacoustics）的研究早已揭示一个根本事实：我们的听觉并非高保真录音机，而是一个充满创造性的大脑解码系统。物理声波与我们感知到的声音之间，存在一道巨大的鸿沟。举一个简单的例子：MP3的听觉掩蔽效应 (Auditory Masking)，从技术上说，MP3是一种有损压缩格式。它为了缩小文件体积，永久性地、不可逆地删除了原始音频文件中的大量数据。如果用仪器测量，MP3的波形与原始CD音轨的波形差异巨大，是绝对的“不保真”。为什么我们大多数人听不出高码率MP3和无损音乐的差别？因为它巧妙地利用了心理声学中的“听觉掩蔽效应”——一个强音会“掩盖”掉它附近频率的弱音，使得人耳无法感知到那个弱音。MP3的原理正是删除了这些“反正你也听不见”的声音信息。

举这个例子，是为了说明一个论点：人脑对声音的处理，绝对不是照单接受。MP3的有损会被认为是“无损”，黑胶的“缺陷”则会被人脑感知中转化为了美学上的“韵味”。因此，当有人批评某种声音“不HIFI”时，他们可能忽略了，极致地追求“HIFI”本质上就背离了音乐的根基。音乐的全部魅力，恰恰在于它如何巧妙地利用物理规则，去拨动我们主观感知的心弦。而人类繁复壮丽的音乐史，正是建立在这片主观体验的沃土之上，而非客观指标的冰冷基石之上。也正是人脑对声音的二次加工，成为了繁复、壮丽的音乐历史的最好注脚。

三、 从录音棚开始的漫长路途

接着，让我们一起跟着音乐，走一次从他诞生到进入你耳朵的路途。一起来思考和领略这个过程中，HIFI到底身处何方？又能带给听众什么样的启示。

1、声源与环境 (The Source & The Room)：声音的起点，我们可以用一把小提琴举例。熟悉小提琴的朋友很清楚，一把小提琴便宜的百来块，贵的百万都有。不同的材质、不同的年份、不同的匠人、不同的演奏者、不同的弓法，从小提琴声音发出的那一刻，声音就已经是千变万化。录音师拿着麦克风，找到一个理想的录音棚，测量好房间的声学特征（混响、驻波等），测量好录制的角度和距离，然后才会按下录音键。

对于HIFI来说，这一切的源头可控性可以说是“差到极致”。这并非指的是录音的质量差，而是整个过程，对听众而言是彻底的黑箱，听众几乎没有任何办法，了解到录制源头的情况。极少数专辑在制作完成后会公示录制环境和设备，严格来说，如果无法得知音乐录制的原始的状态，那么“高保真”中的真字，又该何去何从呢？

2、拾音 (Microphone & Placement)：这是“录音师”选择工具的第一步。使用哪种类型的麦克风（动圈、电容、铝带）？放在离乐器多远、哪个角度？这些选择会极大地影响音色、动态和空间感。这已经是一次艺术决策，而非简单的信号拾取。虽然行业内对大多数录制都已经有了“惯例”，但实际上这一步呈现出来的效果，可以说是天差地别。跟第一步类似，这一步的内容也属于高度黑箱状态，几乎是不可考究的。

3、录音与混音 (Tracking & Mixing)：现代音乐通常是多轨录音。混音师就像一个乐团指挥，他需要对许多内容进行决策和衡量。

电平与声像 (Levels & Panning)	决定各乐器的音量大小和在立体声空间中的位置
均衡 (EQ)	对不同乐器的频段进行增益或衰减，使其更清晰或更有特色。
动态处理 (Dynamics)	使用压缩器、限制器来控制音量起伏，让声音更有力或更平滑。
空间效果 (Effects)	加入混响、延迟等效果，创造出特定的空间感或氛围。

终于来到了混音这一步，也终于来到了大多数烧友口中“录音师想让你听到的内容”的地方。但很可惜的是，原始录音经过混音，所谓的“原始信号”早已不复存在。我们听到的，实际上是混音师基于其专业判断和艺术审美重新构建的音乐场景。而对于现代录音来说，电子合成、效果器更是层出不穷，除了古典类音乐，几乎鲜少看到完全没有电子合成痕迹的音乐了。但不管怎么说，音乐到这一步就算是基本定型了，HIFI烧友们总算是能找到一个可以追求的源头，可以理直气壮的说，高保真的“真”，指的就是这一步……吗？

4、母带处理 (Mastering)：这是音频制作的最后一道工序，由母带工程师完成。他像一个“品控总监”，负责：

统一性	确保一张专辑里所有歌曲的响度和音色风格协调一致。
优化	针对不同的发行介质（如流媒体、CD、黑胶）进行最终的EQ、压缩和响度优化。例如，针对流媒体平台，需要将响度控制在特定标准（如-14 LUFS）内，以避免被平台压缩。
纠错	针对录制中可能存在的错误进行人工修正。

过去，母带一般指的是黑胶唱盘的原始盘制作，而现代母带一般通常指代混音处理完毕后的音频原始文件。但母带分发并非只是交给各个流媒体平台就完事了，因为当前全球所有流媒体服务，几乎都不可避免的对上传的音频有所限制，因应不同的平台会有不同的展示策略。而上面说到的响度战争，就是在这里达到了白热化的阶段。

我们听到的最终成品，是演奏者、录音师、混音师、母带工程师层层“再创作”的结果。HIFI设备能追求的“保真”，最多是忠实地还原“录音与混音”这个步骤后的“熟肉”，而远非“录音现场”那个“源头”。而这个源头，既不是音乐的演奏者，也不一定是录制的混音师，更大的可能是来自各个流媒体、分发平台的策略。因此，人为地将音频的“原始版本”的音频奉若神明，无脑地追求母带级别的还原，确实是一种极大的误解。

四、技术指标的真正意义

BLOG主绝非否认HIFI器材的价值，毕竟我本人的设备也已经六位数，且对大多数“玄学”持肯定态度。BLOG主也认可大多数HIFI的指标，对于定价策略、基础素质的参考意义，毫无疑问，它们是实现音乐表达的基础和保障。一个劣质的播放系统，其严重的失真、狭窄的频响和孱弱的动态，会像一块模糊的毛玻璃，遮蔽音乐中本应被感知的细节和情感。

解析力 (Resolution)	让我们听到歌手换气的细节、琴弦摩擦的质感，这些是构成情感的微小元素。
动态范围 (Dynamic Range)	让音乐能从窃窃私语到雷霆万钧，传递强烈的情绪对比。
瞬态响应 (Transient Response)	定了鼓点的冲击力和节奏的精准度，这是音乐的骨骼。
音色准确性 (Timbre Accuracy)	让我们能分辨出不同乐器的独特音色，感受其传达的情绪色彩。

关键在于，这些技术指标是服务于“感受音乐内容”这个最终目的的工具。它们构建了一个足够清晰、稳定的平台，让音乐的情感得以顺畅地流淌。当技术指标达到某个“足够好”的水平后，再往上的提升所带来的边际效益会急剧递减，而个人审美的差异性则会凸显出来。而至于蔡琴老师到底有几分悲、几分伤，这琴声到底几分潮，几分干这种离谱到姥姥家的HIFI评判标准，则完全不符合现实，也凸显出部分魔怔HIFI群体的病态特征。

五、 如何成为一个自持的音乐聆听者

如果你能认真看到这里，或许已经理解BLOG主想表达的东西了。首先，HIFI这个词已经被整个行业曲解，且被用作绑架用户的工具，已经事实形成了“花钱不HIFI=傻逼”或者“不HIFI=不懂音乐”这样的魔怔状态。“追求好听”被大多数“HIFI人”所不齿，且处于整个鄙视链的底层。在这种情况下，希望扭转这股风气已经是绝无可能的事情，但勇于面对这些“行业基准”，勇敢说出自己的感受和需求，应该是任何一个喜欢音乐的朋友，应该做到的事情。为此，BLOG主提出自己的几个看法，供参考：

1. 相信你的耳朵，建立个人标准：评测和参数可以作为参考，但最终的裁判是你自己。多听、多对比，找到那种能让你沉浸其中、忘记设备存在的声音。
2. 明确需求，而非盲从：思考你主要听什么类型的音乐？你的聆听环境是怎样的？你的预算是多少？一个适合听古典的系统不一定适合听摇滚。没有最好的，只有最适合的。
3. 警惕“群体性催眠”：当某个品牌或产品被社群奉为“神明”时，保持一份清醒。这背后往往有商业推动的影子。独立思考，尊重他人的选择，也坚持自己的判断。
4. 将HIFI视为旅程，而非终点：探索不同设备、不同调音风格的过程本身就充满乐趣。它能拓宽你的审美边界，让你从更多维度理解音乐。但不要让这个过程变成无休止的“器材焦虑”。
5. 最终，回归音乐：把更多的时间花在探索新的音乐、深入理解你喜爱的作品上。设备是舟，音乐是海。我们的目的是航行，而不是无休止地打磨和崇拜这艘船。

六、结语

HIFI是一个伟大的技术工具，它为我们前所未有地接近高品质音乐提供了可能。但我们必须清醒地认识到，工具终究是工具，千万别崇拜工具。真正的音乐体验，源于我们与艺术之间那份独一无二、不可复制的情感共鸣。让我们放下对“唯一标准”的执念，拥抱多元化的审美，最终找到那条通往自己内心深处的“高保真”之路。