HIFI日記：グローバルミュージックレポート2025 詳細解説

これは新しくもあり、古くもあるコラムです。早くも2020年、「デジタルオーディオプレーヤーとCDインターフェースから音楽業界を語る」という記事の中で、ブログ主は当時のIFPI「GLOBAL MUSIC REPORT」（略称GMR）のデータや内容を数多く引用しました。あっという間に5年が過ぎ、音楽業界はかつての物理メディアからMP3へ、そしてMP3から再び著作権保護された音楽へと移行した時期に劣らない重要な時期を迎えています。音楽業界の最新動向を皆さんがより深く理解できるよう、ブログ主は皆さんと共に「GLOBAL MUSIC REPORT 2025」を分析し、価値ある情報を抽出し、音楽業界の最前線を理解していきたいと思います。

I. 情報源

今回分析するレポートは、IFPI公式サイトの「GLOBAL MUSIC REPORT 2025」です。我々が分析するのは業界版の「Global Music Report – State of the Industry」であり、より上位の「Global Music Report – Premium Edition」はブログ主には購入できないため、解説は行いません。

II. 世界の音楽市場の現状（2024年）

1. 全体市場

2023年と比較して、2024年の世界の音楽総収入は4.8%増加し、10年連続の成長を達成しました。総規模は296億ドル（約4兆5600億円）に達し、3年連続で世界の全地域でプラス成長を記録しました。中東・北アフリカ（MENA）が現在世界で最も急成長している地域で、22.8%でトップを走り、次いでサハラ以南のアフリカ（22.6%増）、ラテンアメリカ（22.5%増）となっています。

世界の音楽市場トップ10（国/地域）ランキングでは、統計対象の58市場のうち55市場がプラス成長を達成し、トップ10市場のうち8市場がプラス成長を遂げました。特に注目すべきは、2024年にメキシコ市場がオーストラリア市場を上回り、トップ10入りを果たしたことです。

1	2	3	4	5	6	7	8	9	10
アメリカ	日本	イギリス	ドイツ	中国	フランス	韓国	カナダ	ブラジル	メキシコ

このうち、中国市場は2024年に9.6%増、アメリカ市場は2.2%増となりました。ラテンアメリカは15年連続で力強い成長を維持しており、2024年も22.5%の成長率を記録しました。そのうちストリーミングが占める割合は87.8%にも上り、この地域では物理メディアが競争力と発展の土壌をほぼ失ったと見なせます。ブラジルは21.7%の成長率でトップ10市場の中で最も急成長し、メキシコは15.6%の成長率で世界第10位の録音音楽市場へと躍進しました。

2. デジタル音楽

デジタル音楽の世界収入に占める割合は上昇を続け、69%に達し、初めて200億ドルの大台を突破しました（204億ドル）。世界のサブスクリプション型ストリーミング収入は9.5%増加し（QQ Music会員/Apple Music会員などを含む）、契約者数は7億5200万人に達し、世界の音楽総収入の51.2%を占めました。一方、ダウンロードオーディオは12年連続で減少し、今年は7.7%減、収入シェアはわずか2.8%でした。これは、ストリーミングサブスクリプションの人気が世界中の愛好者に支持され、ダウンロード音楽が完全に周縁化されたことを証明しています。ダウンロード音楽の衰退はもはや挽回不可能であり、リスナーは音楽を入手するためにサブスクリプション制（会員制）を受け入れる傾向が強いと予測できます。ブログ主は、この傾向は今後5〜10年で変わることはないと考えています。

3. 物理レコード

ストリーミングとは対照的に、世界の物理レコード収入は今年減少し、前年比で3.1%減となりました。そのうちCDは6.1%減、ビデオ音楽（DVD/BD）は15.5%減、アナログレコードは4.6%増で、年間の実質収入は48億ドルでした。特筆すべきは、アナログレコードが18年連続でプラス成長を続けており、発行規模も年々拡大している点です。また、2023年に物理レコード収入が14.5%と急増したため、2024年の減少は正常な市場の調整と見なすことができます。

4. 演奏権

この収入は、録音物や音楽ビデオが公演や放送で使用される際に、音楽ライセンス会社（MLC）を通じて徴収される料金を指します。本年度の演奏権収入は5.9%増加し、29億ドル規模に達し、世界収入の9.7%を占め、年間平均成長率を上回り、4年連続のプラス成長を達成しました。演奏権の成長は、現在各国で推進されている音楽バラエティ番組の人気と切り離せません。この種の番組の人気の上昇/下降に伴い、その収入も影響を受けます。ただ、現時点では衰退の兆しは見えません。

5. シンクロナイゼーション収入

シンクロナイゼーション収入は4年連続で増加し、今年の総額は6億5000万ドルに達し、世界の録音音楽総収入の2.2%を占めました。これは、映画やテレビ作品における音楽ライセンスを指します。世界の映像産業の持続的な発展に伴い、音楽のシンクロナイゼーション収入も上昇しますが、映像作品自体の規模に制約されるため、総収入に占める割合は常に比較的安定しています。

III. 各種ランキング

1. 2024年 グローバル・アーティスト・チャート

順位	名前（原名）	国/地域
1	テイラー・スウィフト (Taylor Swift)	アメリカ
2	ドレイク (Drake)	カナダ
3	SEVENTEEN (세븐틴)	韓国
4	ビリー・アイリッシュ (Billie Eilish)	アメリカ
5	Stray Kids (스트레이 키즈)	韓国
6	ザック・ブライアン (Zach Bryan)	アメリカ
7	ザ・ウィークエンド (The Weeknd)	カナダ
8	エミネム (Eminem)	アメリカ
9	ケンドリック・ラマー (Kendrick Lamar)	アメリカ
10	サブリナ・カーペンター (Sabrina Carpenter)	アメリカ

2. 2024年 グローバル・トップ10シングル

順位	曲名	アーティスト
1	Beautiful Things	ベンソン・ブーン (Benson Boone)
2	ESPRESSO	サブリナ・カーペンター (SABRINA CARPENTER)
3	LOSE CONTROL	テディ・スウィムズ (TEDDY SWIMS)
4	BIRDS OF A FEATHER	ビリー・アイリッシュ (BILLIE EILISH)
5	A BAR SONG (TIPSY)	シャブージー (SHABOOZEY)
6	TOO SWEET	ホージア (HOZIER)
7	I HAD SOME HELP (FEAT. MORGAN WALLEN)	ポスト・マローン (POST MALONE)
8	NOT LIKE US	ケンドリック・ラマー (KENDRICK LAMAR)
9	CRUEL SUMMER	テイラー・スウィフト (TAYLOR SWIFT)
10	STICK SEASON	ノア・カハン (NOAH KAHAN)

3. 2024年 グローバル・トップ10アルバム

順位	アルバム名	アーティスト
1	THE TORTURED POETS DEPARTMENT	テイラー・スウィフト (TAYLOR SWIFT)
2	HIT ME HARD AND SOFT	ビリー・アイリッシュ (BILLIE EILISH)
3	SHORT N’ SWEET	サブリナ・カーペンター (SABRINA CARPENTER)
4	ROMANCE : UNTOLD	ENHYPEN
5	SOS	シザ (SZA)
6	SPILL THE FEELS	SEVENTEEN
7	ONE THING AT A TIME	モーガン・ウォレン (MORGAN WALLEN)
8	17 IS RIGHT HERE	SEVENTEEN
9	STICK SEASON	ノア・カハン (NOAH KAHAN)
10	ATE	STRAY KIDS

世界の音楽市場で最も重要な3つのチャートを見ると、ほぼアメリカ、カナダ、韓国に占められていることが容易にわかります。チャートインしたアーティストや楽曲が優れていることは否定できませんが、中国語や日本語といった主要な音楽言語が欠如していることは、IFPIチャートが長年中国国内で注目されてこなかった重要な要因かもしれません。次に、このチャートに初めて触れる方々のために、ブログ主がIFPIチャートの様々な裏側を詳しく解説します。

4. このランキングをどう理解するか

このチャートを理解するには、まずIFPIとその統計方法を知り、その背後にある歴史、文化、政治など多次元的な要因を深く理解することが、世界の音楽市場の構造をよりよく知るために必要です。以下にブログ主がキーワードをリストアップしましたので、それに沿って一歩ずつ世界の音楽の全体像を理解していきましょう。

• IFPI
  国際レコード産業連盟（International Federation of the Phonographic Industry）は、世界のレコード産業を代表する国際的な業界団体です。そのメンバーには、ユニバーサルミュージック、ソニー・ミュージック、ワーナー・ミュージックといった世界の三大レコード会社のほか、世界中のインディーズレーベルが含まれます。主な職務は、レコード産業の権益保護、海賊版対策、業界データの発表などです。
• ランキング方法
  IFPIの各種チャートは、アーティストの世界的な商業的成功度を測定します。その計算方法は非常に包括的で、以下のすべての消費形態をカバーし、「アルバム相当単位」に換算します。
  1. 物理アルバム売上（CD、アナログレコード、DVD/BD、カセットテープ）
  2. デジタルアルバムダウンロード
  3. ストリーミング再生数（有料サブスクリプションと広告付き無料ストリーミングを含む）
• 公正性
  データ統計の観点から見ると、IFPIランキングは比較的に公正です。IFPIの統計方法は標準化されており、音楽の芸術的価値、文化的深さ、革新性を評価するのではなく、ただ一つの核心的指標、すなわち世界的な商業価値を測定します。世界の主要市場の売上とストリーミングデータを集計し、独立した監査機関によって検証され、データの客観性を追求しています。したがって、このチャートに「不公正」な点があるとすれば、その核心はIFPI自体のデータ改ざんや偏りにあるのではなく、現在の世界の音楽産業自体が持つ構造的な不均衡を忠実に反映している点にあります。
• アメリカ
  20世紀以来、アメリカは世界のポピュラー音楽の生産と消費の中心地でした。三大レコード会社（ユニバーサル、ソニー、ワーナー）の本社や中核事業はアメリカにあり、世界のトップクラスの制作リソース、宣伝・流通チャネル、法務チームを掌握しています。作詞作曲、アーティスト育成（A&R）、レコーディング制作から、マーケティング、世界配信、ツアーまで、アメリカは世界で最も成熟し、効率的な音楽産業チェーンを持っています。これにより、アメリカのアーティストは最初から世界展開のポテンシャルを備えています。
• 英語
  英語は事実上の世界共通語です。英語で歌われる楽曲は、非英語圏の市場に参入する際の言語障壁が最も小さいです。これにより、テイラー・スウィフト、ドレイク、ビリー・アイリッシュなどの音楽は、北米、ヨーロッパ、オセアニア、そしてアジアやラテンアメリカなどの地域の広範なリスナーにシームレスに届きます。
• 文化覇権
  第二次世界大戦後、アメリカの経済的・政治的覇権に伴い、アメリカ文化（映画、音楽、ライフスタイル）が世界を席巻しました。ハリウッド映画やMTVなどのメディアがアメリカ音楽の世界的な普及の道を切り開き、世界中の数世代にわたるアメリカのポップカルチャーへの消費習慣を育てました。この「文化覇権」により、アメリカのアーティストとその音楽スタイルは、世界市場でより受け入れられ、支持されやすくなっています。
• 映像・ゲームとの連携
  ある曲が人気映画、テレビドラマ（Netflix作品など）、または大規模なビデオゲーム（『フォートナイト』など）のサウンドトラックとして使用されると、その世界的な露出は驚異的なものになります。アメリカのハリウッドは映画において常に世界的な主導的地位を占めており、例えばビリー・アイリッシュが『007』の主題歌を歌ったり、ケンドリック・ラマーが『ブラックパンサー』のサウンドトラックを主導したりしたことは、彼らの世界的な知名度と音楽消費を大いに高めました。
• 韓国／ファンダムによるチャート活動
  1997年のアジア通貨危機後、韓国政府は「文化立国」を国家戦略とし、K-Pop、韓流ドラマ、韓国映画に代表される「韓流（Hallyu）」を強力に支援しました。政府は資金、政策、海外プロモーションにおいて多大な支援を行いました。これはトップダウンの、意識的な文化輸出です。K-Popは誕生当初から純粋な「内需向け」製品ではありませんでした。アイドルグループにはしばしば外国人メンバー（タイ、中国、日本など）が含まれ、楽曲には英語の歌詞が散りばめられ、音楽スタイルは世界のポップ要素（ヒップホップ、EDM、R&B）を融合しており、最初から世界市場を狙っていました。K-Pop産業はファンダム文化を極限まで発展させました。ファンは非常に強い組織力、購買力、行動力を持ち、アイドルを応援するために組織的に「スミン」（ストリーミング再生数を増やす活動）や物理アルバムの大量購入を行います。この点は、計算において物理アルバム売上が高い比重を占めるIFPIチャートにとって極めて重要です。SEVENTEENとStray Kidsのアルバム売上は世界的に驚異的であり、これが彼らがトップ5入りできた核心的な理由です。K-PopはMV、ダンス、ファッションスタイリングなどのビジュアル表現を非常に重視します。YouTubeやTikTokなどのビジュアルソーシャルメディア時代において、このような高投資・高品質のビジュアルコンテンツは非常に強い伝播力を持ち、言語の壁を乗り越える助けとなっています。
• 限界
  特定の文化圏や言語圏で絶大な影響力を持つアーティストが、チャートインできない可能性があります。例えば、日本や中国で誰もが知る国内のスターは、ストリーミング数や売上が非常に高くても、その影響力が北米、ヨーロッパ、東アジアなどの主要な有料市場に効果的に「圏外」に出なければ、世界的な総合成績では依然として後れを取ります。
• アルゴリズムの偏り（マタイ効果）
  ストリーミング時代のアルゴリズム推薦メカニズムは、「勝者総取り」の状況を生み出すことが多く、トップアーティストはより多くの露出を得て、その地位をさらに固めます。K-Popのファン動員モデルも、チャートがある程度、広範な一般層の人気度だけでなく、「ファンダムの組織力」を反映していることを意味します。
• 為替レートと価格設定
  為替レートと市場価格の差が、このチャートがこのような様相を呈する根本的な経済的理由です。IFPIのチャートは「世界で最も人気のあるXXXランキング」というよりは、「世界で最も商業的に収益化能力のあるXXXランキング」と言えます。それは人数や再生回数ではなく、実質的な世界収入を測定しています。米ドルを中核的な決済単位とし、欧米を中核的な高価値市場とする世界の音楽産業システムにおいて、アーティストが成功できるかどうかは、これらの高収入地域で市場の認知と消費を得られるかどうかに大きくかかっています。これこそがアメリカのアーティストの天性の利点であり、韓国のK-Popが奮闘し成功を収めた方向性です。したがって、国によって一度の「消費行動」（アルバム購入や有料ストリーミング再生など）が生み出す収入は全く異なります。
• 中国
  実際、中国は世界で最も巨大なリスナー層とデジタル音楽ユーザーを抱えており、そのユーザー規模はどの単一地域/国をもはるかに上回ります。しかし、ほとんどのアーティストの音楽消費が主に中国大陸、香港、マカオ、台湾、シンガポール、マレーシアなどの地域で発生し、商業戦略、為替レート、実質購買力などの実際的な要因の影響により、中国の歌手/シングルのARPU（ユーザー一人当たりの平均収益）は欧米に比べて一般的に低くなっています。
• バイラルな拡散
  TikTokは今日、世界最大の「ヒット曲製造機」です。曲の一部（通常はサビ）がTikTokでバズると、瞬く間に世界中で拡散し、Spotifyなどのプラットフォームでの再生数に直接変換されます。サブリナ・カーペンターの「Espresso」はその絶好の例です。このようなバイラルな拡散は予測不可能ですが、成功するのは往々にして、音楽スタイル、リズム、歌詞の内容がショートビデオの二次創作に最も適したアーティストです。これは、従来の宣伝・流通とは独立した新しい影響力です。
• プレイリスト文化
  主要なエディトリアルプレイリスト（Spotifyの「Today’s Top Hits」など、3000万人以上のフォロワーを持つ）に入ることは成功の鍵です。これらのプレイリストの編集権の多くは、プラットフォームのアメリカやヨーロッパの本社にあり、彼らは当然、英語圏のアーティストにより精通し、推薦する傾向があります。これがもう一つの見えない障壁を構成しています。
• 大規模な国際ツアー
  テイラー・スウィフトの「The Eras Tour」は史上最も成功したツアーであり、それ自体が巨大な文化イベントでありニュースの焦点です。ツアーは天文学的な興行収入（IFPIチャートには直接計上されない）を生み出しただけでなく、さらに重要なことに、彼女の過去の全アルバムのストリーミング再生と物理販売を大幅に促進しました。彼女が訪れる都市ごとに、彼女の音楽に関する現地での消費は爆発的に増加します。この「ツアーと音楽消費」の相乗効果が、彼女がトップに立った重要な原動力です。このような国境を越えた大規模なツアーは、言語や文化が英語圏全体で広く受け入れられているため、絶大な注目と売上のボーナスを得ることができます。
• 懐かしさの経済（ノスタルジア・エコノミー）
  チャートにいるエミネムを見てみましょう。彼は近年新作が少ないですが、その膨大なクラシック曲のライブラリはストリーミング時代に継続的に収益を生み出しています。新世代のリスナーがTikTokや映画、他のアーティストによるサンプリングを通じて彼の古い曲を知り、継続的な消費が生まれています。ストリーミングは「時代遅れ」という概念を曖昧にし、作品が十分にクラシックであれば、継続的に価値を生み出すことができます。
• 権威の投影
  グラミー賞、VMA、ブリット・アワードなどの欧米の主要な音楽賞や、『ローリング・ストーン』、『ピッチフォーク』などの主要な音楽メディアが、共同で世界のポピュラー音楽の評価体系と話題の中心を設定しています。これらのプラットフォームがテイラー・スウィフトやケンドリック・ラマーについて議論しているとき、彼らは事実上、世界のリスナーのアジェンダを設定し、世界の注目と消費の流れを誘導しているのです。

IV. 人工知能と音楽の未来

1. IFPI原文からの翻訳

「責任あるAI（Responsible AI）市場は成長の萌芽を見せており、我々の目標はその成功を育む手助けをすることです」と、ユニバーサル ミュージック グループ（UMG）の戦略技術・グローバルデジタル戦略担当シニアディレクター、カサンドラ・ストラウスは述べています。彼女は次のように説明します。「我々はいくつかの責任あるAI企業との提携を発表しましたが、それらはすべて潜在的なパートナーに対するデューデリジェンスを完了した後です。我々は最先端の技術がどのようなものか、新興企業が何をしているのか、そして我々のアーティストやチームを助けるためにどのような倫理的なツールをビジネスに統合できるかについて、多くの調査を行いました。これは、クリエイティブ開発、オーディオツールからマーケティング、データ分析、そしてその間のすべてに及びます。」

アーティストや他のクリエイターの権利を保護することは、UMGの哲学の中核をなす信条であり、その姿勢はビジネス慣行と公共的な提言の両方に反映されています。したがって、どのAIモデルを使用するかについての決定は、モデルが知的財産（IP）を尊重しているか、あるいはAI開発者がアウトプットに対する所有権やインプットに対する学習権を主張しているかなど、複数の要因を考慮して慎重に行われなければなりません。

UMGの戦略技術担当シニアバイスプレジデントであるクリス・ホートンは、社内の「AIレビューチーム」を率いています。この内部グループは、AIモデルの実践とパフォーマンスを評価し、それらのAIがUMGの運営にどのように、そしてどの程度統合できるかを判断する責任を負っています。彼によると、レビューチームは、特定のAIサービスの使用を検討する内部チームからの提案を処理するだけでなく、関心のあるAIツールを積極的に推奨することもあります。「評価基準はいくつかありますが、我々はまずAIツールが倫理的に学習され、著作権を尊重しているかどうかに焦点を当てています」と彼は言います。

まだ初期段階ではありますが、この慎重なレビュープロセスは、UMGが責任あるパートナーとそのもたらす機会を受け入れる助けとなっています。「我々は600以上の提案を受け取り、AIが関与する本当に興味深いクリエイティブな応用事例をいくつか見てきました」とホートンは言います。「これにより、アーティストは自身の作品カタログを新しい言語に拡張することができます。古いアルバムカバーを修復し、新しい用途のために再解釈するために使用しました。顧客分析やインタラクティブなマーケティングキャンペーンに統合しました。ビジネスのほぼすべての側面に現れています。」

UMGのAI担当バイスプレジデントであるエリオ・クイントンもAIレビューチームのメンバーです。彼は次のように付け加えます。「レコード会社として、我々が常に目指してきたのは、アーティストがクリエイティブおよび商業的な目標を達成するのを助けることです。AI技術を利用することで、これをより効果的に行うための多くの方法があります。」

「AI技術の導入がもたらす大きな機会の一つは、業務効率の向上です」とクイントンは言います。「例えば、『AIを利用してアーティストにより良いデータ分析ツールを提供するにはどうすればよいか？正しいファンコミュニティにどうすればより効率的にリーチできるか？顧客サービスの効率をどうすれば向上させられるか？』といったことです。」

2. どう解釈するか？

2025年、AIはすでに音楽業界に実質的な影響を与えていると考えることができます。過去数年間の急速な発展により、AIは音楽制作のあらゆる側面に深く浸透しました。現在、まだ完全で統合された産業チェーン（ワークフロー）は存在しませんが、個人や小規模なグループにとっては、AIによる作詞・作曲が一部の著作権音楽ライセンスを徐々に代替し、より効率的で経済的な解決策となっています。以下、引き続きブログ主がリストアップしたキーワードに沿って、人工知能と音楽の未来に足を踏み入れていきましょう。

• 旧秩序と新たな機会
  記事の中で、ユニバーサル ミュージック グループ（UMG）は「責任あるAI」自体を新興市場とみなし、その主導権を握ろうとしています。彼らは提携や投資を通じて、この市場のルールや基準を形成しようと試みています。これは、発言権と主導権を掌握しようとする非常に典型的な考え方です。結局のところ、ルールを作る者が常に最も儲かるビジネスだからです。しかし、UMGが「責任あるAI」を新興市場と見なし、ルールの制定を主導しようとする戦略は、本質的に、伝統的な著作権の巨人として破壊的技術に対する本能的な反応です。このコントロールを中心とした伝統的な産業思考は、著作権保護基準の設定やパートナーの選別を通じて堀を築き、その過程でルール制定者としての優位な地位を占めようとするものです。しかし、AI技術はオープンソースによる普及性、分散型の創作、そして迅速なイテレーションという特性を持っており、そのエコシステムは従来の音楽産業チェーンのように単一の主体によって効果的に管理することが困難です。UMGが依存する審査と認証による「制御可能」なフレームワークは、技術的にはモデル学習のコンプライアンスを検証することが難しく、商業的には基準が厳しすぎるために市場に迂回される可能性があり、ルール面では多くの利害関係者（開発者、プラットフォーム、規制機関）との駆け引きに直面し、さらには断片化された基準が生態系の発展を妨げる可能性さえあります。この戦略は短期的には法的リスクを低減し、既存の著作権利益を保護し、発言権を確保することができますが、AIの本質との深い矛盾を露呈しています。AI駆動の音楽市場は、参入障壁が低く、スピードが速く、網状に融合するという特徴を持っており、従来の直線的な制御モデルでは対応が困難です。防御的なコントロールを過度に強調することは、伝統的な大手音楽会社がAIの真の革新的な機会（新しいビジネスモデル）を逃し、高いコンプライアンスコストと硬直化したプロセスによって自らの機敏性を損なうことにつながる可能性があります。実際、この記事からは、UMGがAIの波に対応する上での限界と苦境が見て取れます。全文を通じてAIによる作詞・作曲という話題に触れたがらないのは、UMGがこの問題を極めて敏感だと考えていること、そして現段階ではリスク回避と伝統的なモデルへの固執という現実的な戦略をとっており、AIの波に対応する能力が欠けていることを反映しています。
• AIと伝統的な音楽市場の違い

特徴	伝統的な音楽市場	AI駆動の音楽市場
コントロールポイント	著作権、流通チャネル、契約アーティストに集中	モデル、データ、計算能力、プラットフォーム、エンドユーザーに分散
参入障壁	高い（制作、流通、プロモーションコスト）	極めて低い（オープンソースモデル、クラウドサービス、個人制作ツール）
革新の速度	比較的遅い（ほぼ停滞）	極めて速い（モデルの反復、新アプリの爆発的増加）
バリューチェーン	線形的、明確（創作→制作→流通→消費）	網状、動的融合（創作と消費の境界が曖昧、AIが全段階に浸透）
ルール制定	主に大手レコード会社、著作権団体、法律が主導	多様な関係者の駆け引き（テクノロジー大手、オープンソースコミュニティ、プラットフォーム、ユーザー、規制機関、伝統的な著作権者）

• 分散化（ディセントラリゼーション）
  引き続きUMGを分析対象として、分散化について深く掘り下げてみましょう。伝統的な音楽市場の権力構造は高度に中央集権化されており、UMGなどの巨人は著作権、アーティスト契約、流通チャネルをコントロールすることで独占的な障壁を形成しています。この線形的なバリューチェーンは、中央集権的なルール制定に依存しており、革新は高コストと業界の遅い慣性によって制約されています。一方、AI駆動の音楽市場は完全な分散化への転換を示しています。技術的な参入障壁はオープンソースモデルとクラウドサービスによって崩壊し、創作、制作、消費の各段階が深く融合し、個人のクリエイター、さらには消費者でさえAIツールを使って全プロセスに参加できます。権力はもはやレコード会社に集中せず、モデル開発者、データ保有者、プラットフォーム、そしてエンドユーザーに分散しています。伝統的な「創作-流通-消費」という一方向の連鎖は網状のエコシステムに取って代わられ、ルール制定権は多様な主体（テクノロジー企業、オープンソースコミュニティ、ユーザーグループ、規制機関）に譲渡され、継続的な駆け引きによる動的な均衡が形成されています。
• 初音ミク？
  前述の通り、UMGは現在、AIが音楽業界を形成する将来性について完全には楽観視していません。これは理解できます。一つには、業界の伝統的な慣性と快適な領域は容易には変わらないからです。次に、AI産業が物理的な音楽に与える衝撃は、想像されているほど大きくないかもしれないからです。過去数十年で、新技術が伝統的な音楽業界に衝撃を与えた例は数多くあります。例えば、初音ミクや洛天依（ルォ・テンイ）といったバーチャルシンガー（VOCALOIDなどの技術に基づく）は、確かに初期の音楽産業における限定的な分散化の試みを代表しています。しかし、はっきりさせておかなければならないのは、これらの先駆者たちが業界に与えた衝撃は、現在のAIの波に比べてはるかに小さいということです。その核心的な違いは、両者が技術的な破壊性、参加のハードル、バリューチェーンへの浸透度、そして権力移転の規模において世代的な差がある点にあります。
• 技術的な違い
  初音ミクは本質的に高度な音源ライブラリ＋ボーカル合成エンジンであり、その革新は新しい「歌い手」（バーチャルアイドル）と創作ツールを提供した点にあります。しかし、創作自体は依然として伝統的な音楽制作プロセスに大きく依存していました。クリエイターは作曲、編曲、調声などの専門的な能力を備えている必要があり、作品の産出も「創作-制作-発表」という線形的なロジックに従っていました。それは音楽生産の基本的なルールを変えるものではなく、新しい音色の選択肢とIP運営モデルを追加したに過ぎません。さらに重要なことに、その入門ハードルは比較的高く、制作期間も明確に短縮されなかったため、一般の音楽愛好者にとっては、効率を実質的に向上させたり、コストを削減したりするものではありませんでした。一方、現在のAI（Suno、Udioなど）は、テキストプロンプトを入力するだけで、ゼロから完全な音楽（作曲、編曲、歌唱、ミキシングを含む）を生成できます。これは、専門的な音楽制作のハードルを根本的に解体し、創作の権利を専門家から大衆の手に解放しました。AIは「歌手」を代替するだけでなく、作曲、編曲、制作といった核心的な段階に浸透し、さらには代替し、バリューチェーン全体を再構築しています。その破壊性は、「創作の主体」と「創作のプロセス」に対する根本的な挑戦にあります。
• サブカルチャーと技術爆発
  実際、技術が音楽に与える衝撃を、発展的な視点から見ることもできます。「初音ミク」の時代は、技術革新1.0と見なすことができます。この時期、質の高いVOCALOID楽曲を制作するには、高度な音楽理論の知識とソフトウェア操作技術（特に複雑な調声）が必要でした。これにより、ユーザー層は比較的小規模なハードコアな愛好家やプロのクリエイター層に限定され、また、二次元コミュニティと強く結びついていました。その主要な活動範囲も、限られた規模のサブカルチャーエコシステム（ニコニコ動画、Bilibiliなど）に限定されていました。その影響は特定のファン層に留まり、全体的な規模が小さすぎたため、主流の音楽消費や生産モデルに大規模な衝撃を与えるには至りませんでした。しかし、劉慈欣（リウ・ツーシン）の小説で描かれた「技術爆発」の概念を借りれば、「テキストから音楽を生成する」という対話形式は、どんな一般ユーザーでも数分で構造的に完全な楽曲を創作できるようにしました。この極めて低い参入障壁が爆発的な参加を引き起こしました（ChatGPTやDeepSeekの普及効果に似ています）。大量のAI生成コンテンツがソーシャルプラットフォームやストリーミングサービスに流れ込んでいます。短期的には、人工知能はまだ音楽出版業界全体の収益に明確な影響を与えていませんが、基本的なビジネスロジックへの潜在的な衝撃や、業界標準の制定者への権威への挑戦は、すでに確実に形成されています。
• 収益の連鎖
  この資本の連鎖を分析することで、過去100年間にわたり伝統的なレコード会社に独占されてきた音楽産業の連鎖が、より多くの資本家、音楽配信プラットフォーム、AIスタートアップ企業によって侵食されているという事実が明らかになります。これは本質的に資本の再分配のプロセスです。一般のクリエイターは生成AI作品から直接利益を得ることはできませんが、創作のハードルが解放されたことで、クリエイター自身にさらなる可能性が提供されました。最も重要なのは、伝統的なレコード会社が独占してきた基盤が揺らぎ始め、伝統的なミュージシャンが価値の周縁化のリスクに直面していることです。これは構造改革の始まりであり、この改革を受け入れるかどうかの決定権は、もはや伝統的な音楽資本の手中にはありません。
• アルゴリズムの繭
  AIが音楽創作をプロンプトエンジニアリングに単純化するとき、隠れた牢獄、すなわち「アルゴリズムの繭」が形成されつつあります。その核心的な危機は、データ駆動の「呪い」にあります。AIモデルの本質は複製機であり、確率的フィッティングによって生成される「革新」は、実際には安全圏内での組み合わせに過ぎません。ユーザーがAI作曲に依存すると、美的感覚の閉ループに陥りやすく、画一的な模倣品を量産することになります。また、伝統的な創作において、技術的な制約がしばしば破壊的な突破口を生み出してきたこと（例えば、ビートルズがスタジオの制約からテープ逆再生エフェクトを発明したように）を無視できません。AIの「完璧な実現」能力は、まさにこの「制約が生む創造性」を消し去ってしまいます。
• 創造性の飛躍
  ここで、新しい概念「創造性の飛躍」を導入する必要があります。AIが創造的な構想の段階に過度に介入すると、人間がより高次のエネルギーレベル（文化的省察／多様な創造）へ飛躍する動機を圧縮する可能性があります。ここで我々は、音楽の本質をさらに構造的に捉え直さなければなりません。人類の歴史と文化の一つの担い手として、音楽は人類の「苦難の結晶、抵抗の媒体、自由の証言」です。現代では音楽を産業化し、エンターテインメント化し、人工知能AIによって汎用的な創作を行うことは避けられませんが、業界から一歩離れ、時間の長河という視点で音楽の価値を見つめ直せば、容易に一つの結論に達することができます。音楽の担い手は人類の文明であり、アルゴリズムが人類の文明の火種を人類に代わって解釈することはできません。再度特筆すべきは、現在、人工知能が人間の創造性を圧迫するという懸念は一時的なものである可能性もあるということです。結局のところ、メロディ、歌詞、アイデアの類似は、人工知能が介入するずっと以前から存在していました。そして、長い進化の過程で、人類は新しい美的感覚やツールに適応するために、創作プロセスを何度も修正してきました。人工知能が音楽業界に介入することは、解放なのか、それとも抑制なのか？その答えは、人類がAIのツールとしての属性を主体的に定義するかどうかにかかっています。絵筆が画家を代替することはないが、絵画史の方向性を変える可能性があるように。真の危機は、AIがどれほど強力かということではなく、人類が技術の熱狂の中で、創造性の根源的な駆動力、すなわち世界に対する妥協なき詰問と反抗を忘れてしまうかどうかにあります。

3. 世紀の訴訟

AIによる音楽創作を語る上で、SunoとUdioという2つのスタートアップを避けては通れません。AI音楽創作のリーディングカンパニーとして、彼らが現在直面している問題は非常に多いです。澎湃新聞の報道によると、2024年6月24日、世界の音楽産業の三大巨人であるソニー・ミュージックグループ、ユニバーサル・ミュージックグループ、ワーナー・ミュージックが、アメリカレコード協会（RIAA）と共同で、それぞれマサチューセッツ州とニューヨーク州で、新興の人工知能音楽生成会社であるSunoとUdioに対して著作権侵害訴訟を提起しました。この訴訟は、AI音楽分野における「史上最強の第一号案件」と見なされており、音楽産業と生成AI技術との間の著作権紛争が、白兵戦の段階に入ったことを示しています。この訴訟の核心的な争点は以下の通りです。

伝統的な音楽グループ	AIスタートアップ企業
許可なく大規模に著作権保護された音楽を学習に使用した。	著作権保護された素材をAIモデルの「学習」に使用することは、アメリカの著作権法における「フェアユース」の範疇に含まれる。
ミュージシャンと音楽エコシステム全体の存続を脅かしている。	AI技術の目的は「全く新しい音楽を創作する」ことであり、既存作品の単なる複製ではないと強調。
AIがマイケル・ジャクソンのような著名なアーティストのスタイルを模倣している。	AIはあくまで人間の創造性を補助するツールであり、創作と使用の主体は人間であると強調。

• この訴訟をどう解釈するか
  AI音楽分野の「世紀の訴訟」と称されるこの裁判は、我々を技術と法律の重要な岐路に立たせています。我々は単純にどちらかの側に立つのではなく、その複雑さを深く理解すべきです。一方には、無数のアーティストの心血を代表し、現代の音楽産業を築き上げた伝統的なレコード会社がいます。もう一方には、次の100年の音楽史を開き、全く新しい音楽革命をもたらす可能性を秘めたAI技術があります。この案件を全面的に解釈するには、以下のいくつかの重要な視点から切り込む必要があります。
  • レコード会社の視点
    前述の通り、ブログ主が述べたように、伝統的な音楽大手はAI音楽の出現に対して反応が非常に鈍く、保守的でした。彼らが代表する利益陣営が、このAIの波を迅速に掴むことを困難にしています。したがって、今回の訴訟は、伝統的なコンテンツ産業が破壊的技術に直面した際の防御的な反撃と見なすことができます。AI音楽生成技術の発展速度とポテンシャルは、世界の商業音楽著作権の大部分を掌握するレコード大手に脅威を感じさせています。誰でも極めて低いコストで高品質な音楽を生成できるようになることは、伝統的なレコード会社の制作、流通、アーティストマネジメントのモデルに衝撃を与えます。もしAIが無限に音楽を生成できるなら、音楽コンテンツの「インフレーション」を引き起こし、既存の著作権ライブラリの価値を希薄化させる可能性があります。この観点から見ると、訴訟は、AI音楽技術の発展を法的な手段で遅らせるか、あるいは自らがコントロール可能なライセンスおよび商業的な枠組みに組み込むことで、市場の主導的地位を維持するための商業戦略と見なすことができます。（しかし、ブログ主が既に述べたように、AIの重要な特徴は分散化です。）
  • 伝統的なクリエイターの視点
    アーティストの立場から見れば、この訴訟は自身の正当な権利と利益を守るための必要な行動です。核心的な論点は、「創作物は尊重されるべきである」という点にあります。一曲一曲がクリエイターの心血と投資の結晶です。AI企業が許可なく、報酬も支払わずにこれらの成果を利用してモデルを学習させ、それによって利益を得るのであれば、それはクリエイターの労働価値に対する直接的な搾取に他なりません。より長期的に見れば、音楽産業の健全な運営は、著作権ライセンスと収益分配に基づく完全なエコシステムに依存しています。もしAIが著作権コンテンツを無償で「飲み込む」ことが許されれば、このシステムは根底から崩壊し、最終的には高品質なオリジナル音楽を継続的に生み出す動機を扼殺することになります。
  • AIスタートアップの視点
    AIスタートアップ企業にとって、この裁判は商業的な紛争を超え、技術の合法性と将来の発展空間をかけた「生死をかけた戦い」です。彼らの弁護の核心は、アメリカの著作権法における「フェアユース」の原則です。彼らは、著作権データをAIモデルの学習に使用することは、原作を複製するのではなく、全く新しい作品を創造することを目的とした「変容的利用（Transformative Use）」に該当すると主張しています。説明が必要なのは、伝統的な音楽を代表する三大レコード会社に対し、SunoとUdioも全く背景がないわけではなく、むしろその逆で、彼らの背後には典型的な「シリコンバレーのエリート集団」がおり、資金調達額はそれぞれ1億ドルを超えています。

SUNO（1億2500万ドルの資金調達）	Udio（1億ドルの資金調達）
Lightspeed Venture Partners：SnapやNutanixなど多くの有名テック企業に成功裏に投資した世界トップクラスのVC。	Google：Udioの創設チームの多くは、世界最高峰のAI研究機関であるGoogle DeepMind出身。Googleの投資は元従業員の起業支援であり、その技術路線への支持でもある。
Nat Friedman：GitHubの元CEOで、現在AI分野で非常に活発で影響力のあるエンジェル投資家。	Nvidia：世界のAIチップの覇者。Nvidiaの投資は戦略的であり、AIモデルの学習と実行にはそのGPUが不可欠。Udioへの投資は、AI音楽が自社ハードウェアの販売を促進する重要な応用分野になると見込んでいることを意味する。
Daniel Gross：AppleのAI部門の元責任者。	Will.i.am：アメリカの著名なミュージシャンで、The Black Eyed Peasのリーダー。彼の参加はUdioに音楽業界内部の視点と人脈をもたらした。
Andreessen Horowitz (a16z)：シリコンバレーで最も名高いVCの一つで、暗号通貨やAIなどの破壊的技術への早期かつ大胆な投資で知られる。	Andreessen Horowitz (a16z)：AI音楽生成という分野で「二重投資」を行った唯一の企業であり、どちらが勝っても勝者となる可能性がある。
Founder Collective：著名なシードラウンドVC。	Mike Krieger：Instagramの共同創業者。

• まとめ
  この裁判の判決は歴史的な指標となり、デジタル時代における「フェアユース」の境界を再定義するでしょう。その結果はSunoとUdioの運命を決めるだけでなく、すべての生成AI（テキスト、画像、コードを含む）の開発者にとって法的なレッドラインを引き、彼らが将来、足枷をはめられて踊るのか、それとも合法的な発展のための「入場券」を得られるのかを決定します。実際、「フェアユース」を巡るAI学習素材の紛争はAIGC業界全体に広がっており、誰もがこの実際の判決がどうなるかを見守っています。最後に、IFPI公式もAIGCに対する見解を提示しています。ブログ主がそれを翻訳し、本節の最終的なまとめとします。
  1. 政策立案者は、権利者の選択権、すなわち自身の作品がAIモデルの開発に使用されるかどうかを決定する権利を損なうような著作権法の改正に反対しなければならない。
  2. 透明性を確保するため、政策立案者はAI開発者に対し、その学習データに関する記録を保持し、開示することを義務付けなければならない。

V. AI技術が伝説の歌手に歌声を取り戻させる

1. IFPI原文からの翻訳

ワーナー・ミュージック・グループは、この厄介な議論に正面から向き合い、幹部たちに「有益なAIとはどのようなものか？」を探求する任務を課しました。

ワーナー・ミュージック・ナッシュビルの共同会長兼共同社長であるクリス・レイシーは、まさにその任務を担う人物でした。「私はランディ・トラヴィスの歌を聴いて育ちました。彼がこの職業を選んだ大きな理由の一つです」とクリスは言います。「AIについて最初に思ったのは、『ランディの声を取り戻す手助けができるかもしれない』ということでした。」

ランディ・トラヴィスはグラミー賞受賞者であり、カントリーミュージックの殿堂入りメンバーでもあります。2013年に脳卒中が原因で失語症になって以来、彼の言語能力は過去10年以上にわたって非常に限られていました。これはトラヴィスと彼の家族にとって壊滅的な打撃であっただけでなく、世界中の何百万ものファンにとっても同様でした。

ワーナー・ミュージックにとって、AI技術を使って彼の声を「取り戻す」という決定は、軽々しく下せるものではありませんでした。

「これが正しく、人間的なことなのかどうかを知る唯一の方法は、ランディ自身が積極的に関与する意思があるかどうかを見ることでした」とレイシーは説明し、彼と彼の妻メアリーと何度も話し合ったと付け加えます。

「メアリーはただ、『もう一度彼の声が聞きたい。本当に恋しいの』と言いました。その瞬間、我々はすべてのリソースを結集し始めました。」

ワーナー・ミュージック・ナッシュビルにとって重要なステップは、AIモデルを構築し、ランディの声を正確に再現できるパートナーを見つけることでした。チームはまた、ランディの声を誰よりもよく知る、彼の長年のプロデューサーであるカイル・レーニングにも連絡を取りました。ランディの承諾を得て、カイルは数ヶ月かけて、さまざまな音源とAI技術で実験を行いました。

彼らはランディの過去の作品から42のオリジナルのボーカルトラックを抽出し、それをカントリー歌手ジェームス・デュプレの未発表曲「Where That Came From」と重ね合わせました。これが、トラヴィスの声を再現するための完璧な出発点であることが証明されました。

「一聴してAIだとわかると思うかもしれません。しかし、そうならないのは、カイルが音節ごと、音符ごとに丹念に磨き上げ、ランディ自身がその音をそのように歌うだろうかと繰り返し熟考したからです」とレイシーは言います。

曲が最終的に完成した瞬間を、彼女は次のように描写します。「カイルが電話してきて、『曲を送るけど、どう感じていいかわからない』と言いました。『興奮していると同時に、怖いんだ』と。彼が曲を送ってきたとき、私は瞬時に涙が溢れました。あの声が再び歌うのを聞けるなんて、本当に魔法のようでした。」

重要なのは、プロジェクトに多大な時間とリソースが投入されたにもかかわらず、チームはランディと彼のチームと常に継続的なコミュニケーションを保ち、この曲を必ずリリースしなければならないとは決して強要しなかったことです。

「我々は常に、これが正しいことなのかと自問自答し、ランディのところに戻っては、『どう感じますか？』と繰り返し尋ねました」とレイシーは言い、ワーナー・ミュージック・グループがこの動きを「手っ取り早い金儲け」のためだと批判する声に反論します。「一年かけて一曲作るのが棚ぼただと思うなら、ちゃんと勉強し直すべきです。これは完全に愛情からの労働でした。」

ワーナー・ミュージック・ナッシュビルは、成功を確実にし、またリリース前のプライバシーを守るために、このプロジェクトを担当する小規模なチームを慎重に選びました。ランディの65歳の誕生日の直前に、彼とワーナー・ミュージック・ナッシュビルは共同でこの曲「Where That Came From」をリリースしました。

「チームの誰もが強い当事者意識と責任感を持っていたと思います。これは生成AIではありません。コンピュータがゼロから何かを創造しているのではありません。これは、障害を持ちながらも人生の使命を果たしたいと願う一人の人間を助けるために、一群の人間がツールを使っているのです」と彼女は述べます。

それでも、レイシーは、チームが「Where That Came From」に対するファンの反応に「非常に慎重」であったと言います。

しかし、この曲は大成功を収めました。特に、彼に最も近しい人々にとっては。「完全に打ちのめされて泣き崩れる人もいました。彼に駆け寄って抱きしめる人もいれば、『これは本物なの？』と尋ねる人もいました。本物だと当然のように思う人もいました。そして、『本物かどうかはどうでもいい。あなたらしく聞こえるし、あなたがまだ音楽を作ってくれて本当に嬉しい』と言う人もいました。しかし、誰もが信じられないほど協力的でした。」

チームは最近、AI支援による別の曲「Horses in Heaven」をリリースし、もう一曲リリースする計画です。レイシーは、これらの曲の制作プロセスこそ、音楽産業がAIの力をポジティブで、公正で、誠実な方法で活用する方法の模範であると信じています。

この経験を振り返り、彼女は言います。「学んだことが多すぎて、一つだけ選ぶのは難しいです。しかし、最も重要なのは、何事も『真心』に代わることはできないということです。これを実現させたのは、多くの真心を持った人々であり、彼らはお金の損得を気にせず、外部の評価も気にせず、ただ正しいことだからという理由でこれを行いました。そして、そのような真心は、複製することはできません。歌声の中にそれを聞くことができるのです。」

2. 私たちは何を感じ取れるか？

この記事は、AI時代におけるワーナー・ミュージック・グループの極めて巧みな広報であり、戦略宣言です。人間味と倫理的な輝きに満ちた事例を通して、AI技術に対する自社の立場を明確に述べ、SunoやUdioなどの企業の行動とは一線を画しています。その核心的な戦略は、以下のいくつかの点に解釈できます。

• 倫理を優先し、許可を最重要視する
  物語全体の核心は「同意」と「協力」です。ワーナーは、このプロジェクトが開始され、推進される各段階で、ランディ・トラヴィス本人の承諾と継続的な関与が不可欠であったことを繰り返し強調しています。これは、現在のAI著作権侵害訴訟の核心的な争点である「許諾」に直接応えるものです。ワーナーは実際の行動で示しています。「我々はAIを使用するが、それはアーティストの100%の同意と深い協力のもとで行っている」と。
• 「修復型AI」 対 「生成AI」
  レイシーの「これは生成AIではありません。コンピュータがゼロから何かを創造しているのではありません」という言葉は、最も戦略的な意図を持つ一文です。彼女は、ワーナーが使用する技術を、アーティストが失った能力を取り戻すのを助けるための「修復型」または「補助型」ツールとして意図的に定義し、アーティストと競合するために無からコンテンツを生成するものではないとしています。この定義を通じて、ワーナーは、AIには「良いもの」と「悪いもの」があり、その鍵はその目的と使用方法にあるという共通認識を、世論と法曹界に形成させようと巧みに試みています。
• 「人間」の中心的な地位を強調する
  この記事は、技術の冷たさを極力薄め、「人間」の努力と「真心」が込められた感情を繰り返し強調しています。プロデューサーによる「音節ごと、音符ごと」の磨き上げ、チームの「興奮していると同時に怖い」という感情、歌声を聞いた後の「涙が溢れた」という反応、そして最終的に「金儲けのためではなく、ただ愛情から」という位置づけは、すべて一つのメッセージを伝えています。技術はあくまでツールであり、最終的な芸術的価値は人間の感情、心血、創造性から生まれる、と。これはアーティストの価値を肯定するものであると同時に、純粋に技術主導で感情の核を欠いた「生成AI」に対する批判でもあります。

ワーナー・ミュージック・グループは、ランディ・トラヴィスの事例を通じて、彼らが考える「AI」の理想的な姿を世界に示しました。これは感動的な物語であるだけでなく、強力な法的・広報的な武器でもあります。それは、ワーナーがSunoやUdioとの「世紀の訴訟」において、「我々はAI技術に反対しているのではない。我々が反対しているのは、非倫理的で、非合法で、クリエイターを尊重しないAIの使用方法だ」という強力な論拠を提供します。この事例は、業界全体に極めて高い倫理的な基準を打ち立て、また、AI時代において我々が本当に追求すべきは、無限に生成される安価なコンテンツなのか、それとも真に心に響く、「真心」のこもった作品なのかを人々に考えさせます。

ここでの矛盾は、現在のSunoの生成品質が、莫大な投資をされた音楽作品と比肩するには確かに不十分であるという点にあります。しかし、SunoやUdioのようなAIGCが迅速な反復能力を持っていることも否定できず、将来的にブレークスルーがないとは限りません。そして、IFPIに掲載されたこの記事は、ブログ主が前述した「権威の投影」という論点を間違いなく裏付けており、IFPIの傾向性とその業界における地位が一目瞭然です。

VI. 世界の音楽産業の成長促進

1. IFPI原文からの翻訳

• レコード会社は世界の文化・経済発展を推進している
  レコード会社の仕事と投資が文化・経済発展に与える好影響は、通常、音楽市場が急速に発展している地域で最も顕著に現れます。彼らの長期的なコミットメントと投資は、地元のアーティストへの投資だけでなく、現場での活動や彼らを支えるチームへの投資も含み、音楽の成長を推進する鍵となります。アーティストのチーム以外でも、より広範な業界エコシステムにおいて、スキルと専門知識を発展させることは、アーティストがレコード会社に所属しているかどうかにかかわらず、その道のりを支援します。このような地域に根差した支援と投資は世界中に広がり、アーティストを世界的な専門家ネットワークと結びつけ、彼らの作品を支援し、プロモーションします。
• 音楽の価値を認識する
  音楽は常に深い文化的・経済的価値を持っており、公共政策はその価値が市場で十分に認識され、保護されることを保証しなければなりません。これは、著作権で保護された音楽を自社のプラットフォームで使用したり、サービスの一部として利用したりしたい者は誰であれ、使用前に著作権者から許諾を得ることを要求することを意味します。この長年確立されてきたインセンティブ構造が崩壊すれば、重大な損害が生じるでしょう。あるデータによると、2023年、レコード会社の総投資額は81億ドルに達し、これは総収入の30.8%に相当します。
• 音楽の公演権および放送権を支持する
  IFPIは世界中の音楽著作権団体と協力し、公演や放送のために使用される音楽を制作・演奏する人々が、その仕事に対して公正な報酬を得られるよう努めています。ほとんどの国では、放送事業者は、放送する音楽のアーティスト、プロデューサー、作詞作曲家に使用料を支払う必要があります。しかし、世界最大の二つの経済大国であるアメリカと日本は、依然として完全な放送権と公演権を欠いています。さらに、多くの国では、企業が音楽を再生する際に支払う料金が非常に低いため、アーティストやプロデューサーに音楽の使用に対する公正な補償を提供できていません。演奏権は、アーティストにとって極めて重要で成長し続ける収入源となり、音楽経済の成長に大きく貢献することができます。この目標を達成するため、政府はこれらの権利を全面的に確立し、権利者が効果的な収入徴収を組織できるようにすべきです。

2. ケーススタディ

IFPIは上記の主張を論証するために、3つの事例を挙げました。一つずつ見ていきましょう。

大陸をつなぎ、声を増幅させる — インド x カナダ | ワーナー・ミュージック・グループ

91 North Recordsの構想は、パンデミックのロックダウン中に、ワーナー・ミュージック・インド＆SAARCのマネージング・ディレクターであるジェイ・メータが会社に加わったばかりの時に生まれました。「インドの声を世界へ」という野心を抱いていたメータは、カナダがクリエイターとファンのための音楽ハブになりつつあることに気づきました。「2020年、我々はインド音楽が次の大きな波を起こす可能性があると議論しました。そして、その議論の最中に、カナダが優れたインド・コンテンツの温床として浮上し始め、そこから多くのパンジャーブ人アーティストが生まれました」と彼は言います。「カナダはすでに巨大な消費市場でしたが、新たに重要なクリエイター市場となり、常に優れたインド音楽を生み出していました。」これはメータにとってインスピレーションの瞬間となり、南アジア音楽の爆発的な成長を促進することを目的としたレーベル、91 North Recordsの設立につながりました。ワーナー・ミュージック・カナダの社長であるクリステン・バークは、カナダ市場がこれに非常に熱狂していると説明します。「我々ワーナー・ミュージック・カナダにとって、これは南アジア音楽だけのことではありません。カナダ自体が非常に多様で多文化的なのです。ですから、我々はそれを活用することに本当に集中しています」と彼女は言います。ワーナー・ミュージック・カナダとワーナー・ミュージック・インドの合弁事業は、2022年8月にトロントで開始され、二つの異なるファン層の市場ポテンシャルを組み合わせ、この音楽を世界の舞台に押し上げることを目指しています。ワーナー・ミュージックは、91 North Recordsを東洋と西洋をつなぐ重要な架け橋と見なし、才能、文化、アイデアを融合させています。レーベル名は、インドの国番号（電話で91）とカナダの地理的位置を用いて、両国を巧みに結びつけています。カナダ国籍のパンジャーブ人ミュージシャン、ジョニタ・ガンディーは、91 North Recordsと契約した最初のアーティストの一人であり、同時に、カナダとインドのチームはそれぞれ緊密に協力してカラン・アウジラのキャリアを発展させました。グローバルネットワークにより、ワーナー・ミュージックはA&R、マーケティング、流通などのグローバルなサポートを通じてアーティストの影響力を増幅させ、文化的に影響力のある協力の機会を特定することができます。バークは言います。「ジェイと私はすぐに意気投合し、ここに真の機会があることを認識しました。当時カナダにはそのようなインフラが全くなかったので、これらのアーティストを真にサポートする最初のレーベルになる機会でした。音楽も芸術も素晴らしく、我々はそれらを引き上げ、世界の舞台に押し上げる手助けをする必要があると本当に感じました。最初から、我々は完全に一致し、このビジョンを見ていました。」メータは付け加えます。「91 North Recordsは単なるレコードレーベルではありません。それは我々がインフラを構築したい文化運動です。我々は音楽を輸出しているだけではありません。文化、エネルギー、ライフスタイルを輸出しているので、アーティストのレコーディング事業だけに注目しているわけではありません。出版事業、ライブ事業にも注目しており、大規模なブランド提携を構築しようとしています。そして、それを実現するためには、これらのアーティストをサポートするためにカナダにチームを構築することが重要な部分です。」バークは続けます。「我々は南アジア系のチームメンバーを追加しました。なぜなら、アーティストの母国語でコミュニケーションを取り、彼らの文化やさまざまなニュアンスを理解できることが非常に重要だとわかっているからです。これはカナダからだけで独立してできることだとは感じていません。そして、カナダに拠点を置くアーティストがいても、主要な市場は依然としてインドです。」91 Northは、ディルジット・ドサンジやシドゥ・ムース・ワラなどのアーティストと仕事をしたことがあるアーティスト兼プロデューサーのIkkyが指導しています。インドとカナダの力が融合することで、専門知識の共有も促進されました。その一部として、現場で活動する南アジア音楽のA&R専門家を2名採用しました。「我々はこれらのアーティストを西洋化しようとしているのではありません。彼らをサポートし、グローバルなスーパースターになる手助けをしようとしていますが、そのために彼らが変わる必要があるとか、もっと注目を集めるために英語で歌うなどのことをする必要があるとは感じさせていません」とバークは説明します。「世界が変わり、音楽が広まるにつれて、我々は際立つ素晴らしい音楽を作っています。それが我々のやりたいことです。」91 Northは、インドに住むインド人アーティスト、およびインド系のルーツを持ちカナダに住むアーティストと契約します。さらに、この協力をカナダとインド以外にも拡大する計画があります。チームは、南アジア系のディアスポラ（移民コミュニティ）が多いイギリス、オーストラリア、ニュージーランドにこのプロジェクトを拡大するかどうかを戦略的に検討しています。メータは付け加えます。「結局のところ、実際にはデータ駆動です。ストリーミング、YouTube、Spotifyなどのプラットフォームからのデータを分析することで、どの国だけでなく、それらの国内のどの地域がファンの温床であるかを見ることができます。ですから、イギリスが巨大な市場であることは知っていますが、今ではオーストラリアとニュージーランドも重要な形で台頭しており、それはストリーミングデータに反映されています。」バークは付け加えます。「我々は、より大きなディアスポラコミュニティがあり、そこで音楽がアーティストと真に共鳴している市場に注目しています。」

より多くの場所から、より多くの音楽を — ナイジェリア | ユニバーサル・ミュージック・グループ

世界の隅々に偉大なアーティストはいますが、すべての偉大なアーティストが世界の舞台に立てるわけではありません。レコード会社は、地元のアーティストに投資し、彼らが成功するために必要なリソースを提供することで、世界中の新興音楽市場のアーティストやジャンルを支援し、彼らが地元地域や市場で成功するだけでなく、世界的にブレークスルーできるように手助けしています。例えば、2024年、ユニバーサル・ミュージック・グループは、創設者（であり著名なアーティスト兼プロデューサー）のマイケル・コリンズ・アジェレ（別名ドン・ジャジー）と彼のCOOであるテガ・オゲネジョボが率いる、ナイジェリアを代表するアフロビーツレーベル、Mavin Global Recordsに投資しました。UMGのリソースとグローバルな専門知識が、Mavinの地元市場とアーティストに関する知識と組み合わさることで、レーベルの成功を大幅に加速させ、そのアーティストを地域全体およびそれ以上の市場で戦略的に位置づけることができました。Mavinの創設者兼CEOであるドン・ジャジーは、このパートナーシップの構築について次のように語っています。「アフリカの音楽シーンは非常に多様です。我々は、それが世界的な声を見出すための旅を始めたばかりです。」「それが成長しており、本当にエキサイティングな時期にあることはわかっていますが、まだ成長の余地はあります。ユニバーサル・ミュージック・グループが我々と我々のアーティストに提供できる経験と規模を活用することは、自然な次の一歩のように感じます。」オゲネジョボは続けます。「我々にとって、これは我々自身とユニバーサル・ミュージック・グループとの間の異文化教育に関するものです。我々は我々のビジネスと我々のアーティストの独自性を理解しており、ナイジェリアおよびより広範なアフリカの音楽ビジネスで13年間働いてきた経験があります。しかし、ユニバーサル・ミュージック・グループを通じて、我々は以前はアクセスできなかった世界中の運営システムと専門知識を持つ、より大きなグローバルな機械に接続されています。」「相互の信頼が我々のパートナーシップの中核です。ユニバーサル・ミュージック・グループは我々が築き上げた遺産を信じています。そして我々は、彼らが世界中で我々のアーティストを保護し、増幅させてくれることを完全に信頼しています」と彼は締めくくります。このテーマに基づき、ユニバーサル・ミュージック・グループの戦略担当シニアバイスプレジデント、アジア太平洋・中東・アフリカ（SVP Strategy, AMEA）のデヴラージ・サニヤルは、地元のレーベルを拡大することについて次のように述べています。「これは着実に、順を追って起こらなければなりません。グローバルなプレーヤーが一貫した方法で投資し、集団を代表する社会や機関と歩調を合わせ、地方政府と深く意味のあるつながりを築くことが、持続可能な長期的な成長にとって絶対に不可欠です。」ユニバーサル・ミュージック・インドの会長兼CEOも務めるサニヤルは、急速に進化する市場のアーティストに対するグローバルな機会の影響を目の当たりにしてきました。しかし、それが簡単であったり、挑戦がなかったりするわけではありません。例えば、インドは世界で最も人口の多い国ですが、年間収益で見ると世界で15番目に大きな録音音楽市場です。それでも、サニヤルはインドについて楽観的です。ユニバーサル・ミュージック・グループの人材、リソース、ビジョンをもって、サニヤルは次のように述べています。「hanumankindという名の南アジアのアーティストによる『Big Dawgs』という曲が、世界のチャートに入り、デジタル時代で最も再生された曲となりました。これはインドにとって世界への扉を開き、市場に多くの自信を注ぎ込みました。インドには多くの可能性があります。国内市場向けの国内音楽、世界のディアスポラ向けの国内音楽、そして最終的には、世界向けの国内音楽です。」サニヤルは、新興市場において、政府の支援が市場の成功とアーティストの成功にとって極めて重要であると指摘しています。「あらゆる種類のクリエイターに対する政府の支援は不可欠です。すべての人に著作権を尊重させる力は主に彼らの手にあり、我々はそのことを伝え、実行するために彼らと緊密に協力しています。」アフリカ市場について、オゲネジョボも同意します。「アフリカでは、政府が法を執行し、違法なサービスが無料で音楽を提供するのを阻止する手助けが必要です。我々は音楽ファンに、合法的で認可されたサービスを通じて音楽を聴いてもらいたいのです。これが、アフリカの音楽が持続可能な方法で成長し続ける唯一の道です。」これまでのところ、このパートナーシップは信じられないほどの成功を収めており、彼らの専門知識とリソースを組み合わせることで、これまでに見られなかった方法でナイジェリアのアーティストを世界の舞台に押し上げています。良い例は、若きナイジェリアのアーティスト、レマとアイラ・スターとの仕事です。両者とも当初は国内のファン層しかいませんでしたが、今ではその聴衆の範囲はますます広がっています。アイラ・スターのアルバム『The Year I Turned 21』は、Spotify史上、ナイジェリアの女性アーティストによるアルバムの初日デビュー記録を破り、2024年で最も人気のあるナイジェリアのプロジェクトとして一年を終えました。レマのアルバム『HEIS』も複数の記録を破り、11カ国以上で1位を獲得し、ビルボードのグローバルアルバムチャートで初登場7位を記録しました。ユニバーサル・ミュージック・グループがMavinとのパートナーシップを通じてナイジェリアに投資したことは、そのレーベルやアーティストの範囲を超えて、地元の産業に好影響を与えています。この投資は、地元の幹部を育成し、地元のインフラを構築し、他の大手音楽プラットフォームもこの地域に投資するよう促すために使われています。オゲネジョボが続けるように、「ユニバーサル・ミュージック・グループが我々と共に働くことで、我々はナイジェリアが繁栄する音楽の未来を持つことを確実にするための礎を築く努力ができます。彼らは我々の架け橋であり、我々のチームが行うすべてのハードワークを加速させてくれます。」「我々の協力は、ナイジェリア、さらにはアフリカ全体のクリエイティブを世界に送り出すことを開始しました。我々は地元の作詞作曲家にトレーニングプログラムを提供し、国の労働力を拡大しています。これらすべては、我々が世界的に成長できることを確実にするためだけでなく、大陸の芸術と文化を保持するためでもあります。」

黄子弘凡（ホアン・ズーホンファン）の台頭への道 — 中国 | ソニー・ミュージック・グループ

黄子弘凡は、中国で最もエキサイティングなZ世代の才能の一人となりました。湖南衛星テレビのクラシッククロスオーバー番組『声入人心（Super-Vocal）』で発掘された後、この25歳の歌手は進歩を続け、多くのライブ経験を積んできました。2024年だけでも、彼は29の音楽フェスティバルに参加し、その魅力的なステージパフォーマンスと情熱でファンを魅了しました。ソニー・ミュージックエンタテインメント中国のCEOであるアンドリュー・チャン（陳述平）は、2023年に黄子弘凡のデビューシングル「Grow Up」をリリースして以来、この新星と緊密に協力してきました。チャンが言うように、「我々を本当に興奮させるのは、黄子弘凡の情熱と集中力です。彼はトップアーティストになるために必要な精神性と渇望を持っており、これこそが、この活気に満ちた競争の激しい地域で我々がサポートしたいと思う才能のタイプです。しかし、黄子弘凡の『闘争心』は競争だけに関するものではなく、観客と深い絆を築き、ユニークな芸術を創造するという執着から生まれています。彼はまさに、このようなダイナミックで要求の厳しい市場で成長するアーティストです。」黄子弘凡の音楽探求の核心は、多様な音楽スタイルと表現形式を常に試みることです。このC-POPアーティストは、標準中国語、英語、広東語で歌い、各地のスタイルやジャンルを巧みに取り入れています。「現代中国の音楽生態系は、世界のトレンドと同様に、多様性が花開く状況にあります。リスナーの審美眼はますます成熟し、ヒップホップ、EDMからR&B、ポップスまで、あらゆる音楽ジャンルがそれぞれの支持層を持っています。我々の戦略は、活気に満ちた協力のエコシステムを構築し、異なるスタイルのミュージシャンとプロデューサーのクロスオーバーコラボレーションを促進することで、国内市場で共感を呼び、かつ国際的な発信力を持つ豊かな音楽のタペストリーを織り上げることです。」彼は、中国市場が「非常に多様性」に富んでおり、過去1年間でこの地域でリリースされた高品質な新作のペースは、ここ数十年で最速であったと付け加えます。2024年だけで、ソニー・ミュージック中国は3700曲をリリースしました。しかし、チャンは、この成長の核心的な原動力は、アーティスト育成システムと、他の音楽的才能との協力の探求にあると指摘します。典型的な例として、2024年12月に歌手の黄子弘凡とアメリカのバンド、ワンリパブリックがBilibiliの年越しライブで共演したことが挙げられます。これこそが、ソニー・ミュージックのチームが再現したい成功モデルです。チャンは、ソニー・ミュージックの世界中に広がるネットワークがアーティストにとって大きな利点であり、異なる地域に合わせたカスタマイズされた育成アドバイスを提供できると説明します。「我々は、アーティストが世界市場への扉を開き、音楽キャリアで国際的な成功を収めるための絶好の窓口です。」彼は、ソニー・ミュージックが多様な聴衆を理解することに最も長けていると付け加えます。しかし、チャンの壮大な野望は、K-POPのように、C-POP（チャイニーズ・ポップ）を国際舞台に押し上げることです。「それには多くの試行錯誤が必要だと思います」と彼は言い、会社の戦略が常に柔軟であることを保証します。ソニーのグローバル・デジタル・ビジネス担当プレジデントであるデニス・クーカーは、これらのグローバル戦略はバランスを取るのが難しい場合があるが、最終的にはファンが主導すると説明します。「音楽への需要は増え続けていますが、聴衆にリーチすることはこれまで以上に困難になっています。我々にとって、我々が考えるのは、ファンを特定のプラットフォームに無理やり集めたり、特定のスタイルに限定したりするのではなく、アーティストがファンを見つけるのを助ける戦略をどう立てるかということです」とクーカーは言います。「これは、オンライン（デジタル）とオフライン（現実世界）の両方の観点から、全く新しい可能性を開きます」と彼は付け加えます。そのため、ライブパフォーマンスに加えて、黄子弘凡のチームは、ソーシャルメディアを活用してファンのエンゲージメントを高める方法も研究してきました。増え続けるZ世代のファン層のおかげで、彼は中国最大のソーシャルメディアプラットフォームの一つであるWeiboで大きな注目を集めました。2024年、彼は1ヶ月で36以上のホットトピックに登場し、関連する閲覧数は累計16億回に達しました。チャンは付け加えます。「今日のデジタル時代において、ソーシャルメディアは単なる宣伝ツールではなく、アーティストがファンと真のつながりを築くための重要なチャネルです。ラルス（黄子弘凡の誤記か）に対する我々の戦略は、ソーシャルプラットフォームを彼のキャリアプラン全体に戦略的に組み込み、活気に満ちた、エンゲージメントの高いファンコミュニティを育成することです。」彼のヒットシングル「Soaked in Rain」は広く人気を博し、リリース初週で再生回数は1400万回に達し、中国のデジタルストリーミングプラットフォームで100万件以上のコメントを獲得しました。2024年10月、黄子弘凡は「Fun! Only」というアルバムをリリースし、わずか24時間で物理レコードの売上が10万枚を突破し、驚異的な販売マイルストーンを記録しました。この卓越した成果により、彼は名誉あるIFPIの5プラチナ認定を獲得しました。この勢いに乗り、ソニー・ミュージックは黄子弘凡が待望のコンサートツアーを開始するのも支援しました。ツアーは2024年に開幕し、5つのエキサイティングなスタジアム級の視聴覚の饗宴を披露し、各公演は満席で、1万人以上の観客を魅了しました。ソニー・ミュージックの支援のもと、彼は芸術性を高め続け、影響力を拡大し、印象的な高品質の音楽作品を次々と生み出し、より世界的な影響力を持つスターへと歩みを進めています。

3. どう分析するか

上記の3つの事例は、IFPIが「レコード会社が世界の音楽産業の成長を推進している」という核心的な見解を論証するために精選したものです。三大レコード会社がそれぞれ一つのセクションを占めていることからも、バランスを取ろうという意図がうかがえます。より具体的に言えば、IFPIはこれらの事例を通じて、世界（政府、パートナー、一般市民を含む）に対し、大手レコード会社が世界の音楽産業において不可欠で、積極的で、成長を牽引する役割を果たしていることを証明したいのです。引き続き、ブログ主が挙げたキーワードに沿って、これらの事例を探求し、分析していきましょう。

• ローカルへの投資
  レポートは、レコード会社の投資が単にお金だけではないことを強調しています。ソニーの黄子弘凡への投資は包括的です。発掘（『声入人心』後の協力）、A&R（アーティストと作品の企画）、マーケティングプロモーション（ソーシャルメディア、国際協力）、そして商業化（アルバム、ツアー）まで、完全なキャリア開発パスを構築しています。これはIFPIの見解、「レコード会社の投資は『地元のアーティストへの投資だけでなく、現場での活動や彼らを支えるチームへの投資』であり、『音楽の成長を推進する鍵』である」という点を裏付けています。
• ビッグデータ／データ駆動
  ソニー・ミュージックは、Weiboのホットトピック（36件）、閲覧数（16億回）、コメント数（100万件）などのデータを分析することで、戦略を検証し、調整しています。これはアンドリュー・チャンの「それには多くの試行錯誤が必要だと思いますし、会社の戦略が常に柔軟であることを保証します」という基本戦略とも一致しています。各ソーシャルプラットフォームから提供される正確なビッグデータと関連する予測情報は、ソニーに優れた計画・配置能力を与え、ソニー・ミュージックが中国の音楽市場に深く根付いていることを示しています。
• 新興市場
  興味深いことに、3つの事例はいずれも欧米市場から目を逸らしています。これは、ある程度、世界の音楽市場のマクロなトレンドを明らかにしています。欧米市場は飽和状態に近づいており、中国、インド、アフリカなどの新興市場が巨大なポテンシャルを示しています。IFPIがこれら3つの事例を選んだのは、世界に「未来の成長点はここにある。そしてレコード会社はすでに深く布石を打っている」と伝える意図があります。
• ディアスポラ戦略
  ワーナーのインド×カナダの事例では、南アジア系のディアスポラが重要な市場基盤であることが明確に述べられており、イギリスやオーストラリアなど、南アジア系のディアスポラが多い国への拡大も計画されています。これは、重要なグローバル化戦略を明らかにしています。文化的なディアスポラを橋頭堡として、徐々に主流市場に浸透し、影響を与えていくという戦略です。実際、これはC-POPのグローバル展開にとっても参考になる点です。
• 著作権への訴え
  3つの事例は直接的な政治目的には触れていませんが、IFPIのレポートの枠組みの中に置かれているため、その背後には強い政策的な要求があります。レポートは、音楽産業の繁栄は「公共政策がその価値を市場で十分に認識し、保護することを保証しなければならない」、すなわち厳格な著作権保護に依存していると明確に述べています。レポートはまた、アメリカと日本の放送権が不完全であることを批判し、アフリカ政府に海賊版対策を求めています。ブログ主もちょうど先日、「The Sounds of Silence」のレビューを通じて、アメリカの放送が著作権を軽視してきた長い歴史的事実を示しました。この点から、IFPIの核心的な政治的要求、「比較的良好な著作権保護と健全な市場メカニズムの環境下でのみ、我々は巨大な文化的・経済的価値を創造できる」ということが見て取れます。
• K-POP
  「韓国／ファンダムによるチャート活動」のキーワード分析で、ブログ主はすでに、韓国のK-POPが当初から強い海外進出意欲を持っていたことを指摘しました。ここでさらに掘り下げてみましょう。韓国の国内市場は比較的小さく、人口は約5000万人で内需は限られています。産業が持続的に成長し、高額なアイドル育成コストを回収するためには、海外市場への拡大が必須です。輸出は選択肢ではなく、必要不可欠なのです。1990年代末のアジア通貨危機以降、韓国政府は文化産業を国家戦略の柱と位置づけ、強力に支援してきました。K-POPのグローバルプロモーションには、国家ブランド構築の色合いが帯びています。初期の頃から、K-POPの楽曲は韓国語の歌詞の中に記憶に残りやすい英語のフックを散りばめるのが常套手段でした。これにより、海外のリスナーの入門ハードルが下がり、メロディ以外にも曲の一部を覚えやすくなりました。K-POPは、ヒップホップ、EDM、R&B、ラテンポップなど、最先端の欧米のポピュラー音楽要素を積極的に取り入れ、融合させています。「純粋な韓国性」を追求するのではなく、「聴いた感じは国際的だが、見た目は韓国的」なハイブリッド製品を創造しています。そのため、K-POPはしばしば映画レベルのMV制作に巨額を投じ、強烈な視覚的インパクト、一糸乱れぬ複雑なダンス、そして洗練されたファッションスタイリングを強調します。K-POPはまずアジア（日本、東南アジア）で足場を固め、その後YouTubeやソーシャルメディアなどのデジタルプラットフォームを通じて、従来の欧米メディアの壁を迂回し、西側の若いファン層に直接リーチしました。これにより、「下から上へ」のファン主導型の伝播が形成され、最終的に主流メディアや市場にその存在を認めさせました。
• C-POP
  C-POPの論理的な出発点はK-POPとは正反対で、「内需のために生まれた」モデルの下で成長してきました。中国は14億人を超える巨大で自給自足可能な国内市場を持っています。国内市場にサービスを提供するだけで、巨大な音楽産業を支えることができます。そのため、長い間、C-POPには海外へ輸出する切迫感や根源的な動機が欠けていました。近年、「文化的な自信」が主流のナラティブとなっています。C-POPの創作は、より国内の美的感覚や文化的アイデンティティに奉仕する傾向があり、例えば「古風」音楽の流行は、文化的なルーツを内向きに探求する現れです。標準中国語はC-POPの絶対的な中核です。歌詞の文学性、物語性、感情的な共感は、伝統的な中国語圏の音楽シーンで重要な位置を占めてきました。英語の曲や英語を交えることもありますが、これはミュージシャン個人のスタイルの選択であり、輸出を目的とした産業レベルの標準化された操作ではありません。音楽スタイルに関しては非常に多様ですが、主流市場は長い間、抒情的なバラードが主導してきました。現在では様々なジャンルが花開いていますが、K-POPのような世界的に認知度の高い、統一された「C-POPのパラダイム」はまだ形成されていません。中国では、アーティストはテレビドラマのOST、バラエティ番組、ショートビデオプラットフォームなど、多様なルートで人気を得ることができ、その道筋はK-POPの歌って踊るアイドルが中心のモデルよりもはるかに複雑で分散しています。黄子弘凡の事例は、『声入人心』のようなクラシッククロスオーバー番組を通じて発掘されたもので、これはK-POP産業では想像しがたいことです。C-POPのグローバル化は、どちらかというと「自然な波及」に近いです。まず巨大な国内市場にサービスを提供し、その後、海外の華人、華僑、留学生のコミュニティを通じて、自然に世界各地に広がっていきます。しかし客観的に言えば、現在のC-POPは依然として巨大な内需主導の産業であり、その影響力は中国大陸、香港、台湾、マカオ地域で絶対的な主導権を握っています。シンガポール、マレーシア、タイ、ベトナムなど、多くの華人を抱える国々でも、深い市場基盤と歴史的なつながりを持っています。これらの地域の聴衆はC-POPを消費するだけでなく、C-POPアーティストを輩出し、緊密な文化生態系を形成しています。北米、ヨーロッパ、オーストラリアなどでは、C-POPの主要な聴衆は華人の留学生、移民、およびその子孫です。コンサートやファンイベントなどは、主にこのコミュニティを中心に展開されています。それは文化的なアイデンティティを維持するための「内輪の楽しみ」に近く、まだ現地の主流の視野に大規模に「圏外」に出るには至っていません。SpotifyやApple Musicなどのグローバルプラットフォームでは、C-POPの全体的な再生数は、K-POP、ラテン音楽、さらにはJ-POPと比較してもまだ大きな差があります。特定の地域のチャートで優れた成績を収めるアーティスト（周杰倫（ジェイ・チョウ）など）はいますが、ビルボード・グローバル200などの世界的なチャートに継続的にランクインする能力には欠けています。

VII. まとめ

ついに、全2万5千字にも及ぶ「GLOBAL MUSIC REPORT 2025」の分析レポートを、一週間かけて書き上げ、幕を下ろすことができました。この詳細な解説は、ブログ主が過去数年間にわたって音楽業界全体に対して抱いてきた個人的な見解です。中立的な態度と資料の正確性を保つために最善を尽くしましたが、ブログ主個人の能力には限界があるため、もし誤りがあれば、コメント欄でご指摘いただければ幸いです。皆様のご寛容をお願いいたします。

原文の翻訳と資料収集には、AI（GEMINI/DEEPSEEK/GROK）の補助を利用しました。これが、この分析レポートを1週間以内に完成させるための重要な支えとなりました。個人のクリエイターにとって、AIはもはや不可欠な存在です。認めるかどうかにかかわらず、これは前進し続ける時代の流れであり、人間とAIの関係は、未来において絶えず探求されていくべき課題です。そして、今日皆様がご覧になったこの分析レポートが、このプレAI時代の小さな脚注となることを信じています。感謝に堪えず、光栄に存じます。

本稿の著者：RainLainブログ主。転載を歓迎しますが、必ず出典と著者名を明記してください。