音楽日記：2025年第2四半期 音楽鑑賞

1、曲名：听！是谁在唱歌（聴いて！誰が歌っているの），歌手名：劉若英（リウ・ルオイン）/黄韻玲（ホァン・ユンリン）

ずっとこの曲について語りたいと思っていました。この音楽がブログ主にとって共感できるものであるだけでなく、稀に見る名曲だからです。2004年、ドラマ『渡り鳥e人』（候鳥e人）の主題歌として、台湾の音楽家、黄韻玲（ホァン・ユンリン）が作曲し、劉若英（リウ・ルオイン）を招いて共に歌いました。

特筆すべきは作詞家の姚謙（ヤオ・チェン）です。彼はこの曲で、多くの隠喩を含み、深みのある彼独特の作詞スタイルを継続し、ドラマの核心テーマである「移住と帰属」を歌に溶け込ませ、「渡り鳥」というイメージを、現代人が心の安らぎの地を探し求める旅路に例えています。他の作詞家と異なり、姚謙（ヤオ・チェン）の歌詞は非常に口語的で、「抑制」が効いていて「自然」です。代表作の『魯氷花』（ルピナス）は、子供の口調で、非常にシンプルな歌詞で、印象深い物語を描写しています。この歌では「出会いの季節」「じっくりと思い出す呼び声」などの表現を通じて、時間の中で彷徨い、歳月の中での遺憾と解放を描き出しています。

黄韻玲（ホァン・ユンリン）の作曲はシンプルさを基調とし、Aメロ（主歌部分）は穏やかで物語を語るような旋律を採用し、サビ（副歌）では音域の跳躍とリズムの変化でドラマ性を高めています。編曲はピアノを主導とし、ストリングスで下地を作ることで、フォークソングの素朴さを保ちつつ、ハーモニーの豊かさで奥行きを際立たせています。

そして最も絶賛すべきは、間違いなく劉若英（リウ・ルオイン）のデュエットを導入したことです。劉若英（リウ・ルオイン）の歌声はクリアで伸びやか、黄韻玲（ホァン・ユンリン）の歌声はハスキーながらも味わい深いです。二つの声が絡み合い、見事に補完し合い、声の交錯が豊かな層を生み出しています。特にサビ部分の輪唱と重ね合わせは、「呼び声」というテーマを強化し、時空が交錯する対話のような感覚を醸し出しています。ドラマ『渡り鳥e人』（候鳥e人）の主題歌として、この歌はドラマの「移住と帰属」に関する探求を深化させ、2000年代初頭の都市型恋愛ドラマ音楽の模範となりました。その渡り鳥のイメージも広く受け入れられ、後世の多くの作品創作に影響を与え続けています。

2、曲名：Break up! ，歌手名：宮崎歩，アルバム名：DIGIMON HISTORY 1999-2006 All The Best

これは80年代、90年代生まれの共通の思い出です。このCDには初期「デジモン」の全てのクラシック曲が収録されており、これ以上ないほどクラシックなアルバムと言えるでしょう。『Break up!』は2000年のアニメ『デジモンアドベンチャー02』でアーマー進化する際の専用BGMで、この曲が流れ始めると、必ず戦闘のクライマックスシーンでした。熱血、燃え、理念、挑戦といったシーンがこの曲の創作の核心を形作っています。『Break up!』と似た位置づけの前作の進化曲『Brave Heart』の創作理念とは異なり、前者は逆境の中での突破、困難を打ち破る自己覚醒を強調しているのに対し、後者は困難の中で勇気を解き放ち、自由を追求する心を強調しています。両者は類似したテーマを解釈していますが、その微妙な違いは、実際には二つのアニメ作品の核心的な創作理念の違いを示しています。

音楽創作自体に話を戻すと、『Break up!』のAメロはミドルテンポで進行し、サビでは高音域への跳躍（例えば「キミを 越えてゆくんだ」）と密集したドラムビートで爆発力を生み出し、同時にアニメの映像を進化のクライマックスへと導きます。注意深く聴くと、エレキギターのリフが全曲を通して流れており、『Brave Heart』の電子音響と比較して、『Break up!』はよりロック色が強く、その「突破」というテーマの核心にも合致しています。

2024年、宮崎歩さんの広州でのコンサートでは、この曲が会場全体の大合唱を引き起こしました。25年間の思いが積み重なり、この曲のテーマはアニメ自体を超え、逆境で奮闘する普遍的な文化的シンボルとなり、多くの中堅・青年層に認められています。総じて、『Break up!』は『Brave Heart』の成功を引き継ぎ、「突破」という理念を物語の「進化」と見事に結びつけ、元々抽象的だった概念を、実行可能な「行動」へと変え、当時の若者たちの心に「勇気」に関する新たな物語を刻み込みました。

3、曲名：たとえ どんなに…，歌手名：西野カナ

2011年にリリースされた同名アルバムのリード曲として、『たとえ どんなに…』は2010年代のJ-Popを代表する楽曲の一つです。この曲はR&Bとポップのリズムとメロディを融合させており、全曲を通して流れる少し悲しげなメロディとドラム、ベースラインは、非常に強い楽曲の個性を持ち、西野カナさんの声も、曲が作り出す現代的でありながらも優しさを失わない雰囲気に非常によく合っています。

商業的には、この曲はリリース後に素晴らしい成績を収め、オリコンチャートのフィジカルセールスで最高5位に入り、23週間のチャートインという好成績を記録しました。長年にわたり、J-Popはメロディを重視し、丁寧に制作された楽曲と見なされてきましたが、『たとえ どんなに…』の創作は、当時の流行要素（R&B）とうまく結びつき、さらに日本人が得意とする繊細な感情表現が加わることで、当時の日本のJ-Pop産業の成熟した水準を示しています。

こうした「産業的な甘味料」（工業糖精）のような音楽は、スタイルが似通ったり、創作パターンが硬直化したり、革新性に欠けるといった多くの批判に直面することは避けられません。しかし結局のところ、この楽曲は流れるようなメロディとサビ部分で、西野カナさんが地声に近い叫びで歌う歌詞によって、恋愛中の少女の執着心と深い愛情に容易に響き、幅広い共感を呼びました。

たとえどんなにどんなに強く
願ったってもう戻れないけど
遠い君を見えない君を
想い続けて

4、曲名：The Sounds of Silence，歌手名：Simon & Garfunkel

アコースティック・バージョン（1964年）

エレクトリック・バージョン（1966年）

セントラルパーク・コンサート（1981年）

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ポストモダン Disturbedカバー版（2015年）

「伝説」という言葉にふさわしい音楽はそう多くありません。ほとんどの音楽は10年も経てば忘れ去られ、海を越え山を越えれば誰も見向きもしなくなります。しかし、中には数十年の時を経ることでさらに深みを増し、山を越え海を越えることでその伝説に新たな一筆を加える作品もあります。それが今日お話しする、ポピュラー音楽史上最も象徴的で影響力のある曲の一つ：The Sounds of Silenceです。日本語では『サウンド・オブ・サイレンス』または『沈黙の音』とも訳されます。

The Sounds of Silenceは、そのリードボーカルの一人であるポール・サイモンによって1963年から1964年にかけて作られました。サイモンは1984年2月号の『プレイボーイ』誌のインタビューで、歌詞の核心テーマの一つは「人間同士がコミュニケーションを取れないこと」だと述べています。これは、1963年のアメリカ大統領ケネディ暗殺事件がもたらした社会的衝撃と反省に関連していると解釈されることが多いです。また、サイモンが暗いバスルームでギターを弾きながら曲を書くのが好きで、その暗闇の感覚が最初の歌詞「Hello darkness, my old friend…」の誕生を促したという説も伝えられています。

1964年3月、二人のリードボーカルの名前を冠したデュオ、サイモン＆ガーファンクルはこの曲のオリジナルバージョンを録音しました。このバージョンは二人のボーカルとアコースティックギターのみで伴奏され、1964年10月にリリースされた彼らのデビューアルバム『Wednesday Morning, 3 A.M.』に収録されました。このバージョンは後世「オリジナル・アコースティック・バージョン」として知られています。しかし、当時は二人とも無名だったため、このアルバムの売上は惨憺たるもので、急遽結成されたこのデュオは解散を余儀なくされ、二人はそれぞれの道を歩むことになりました。

その後、劇的な展開が起こります。アメリカ東海岸の一部のラジオ局（特にボストンやフロリダ）でこの曲が徐々にリクエストされるようになり、その頻度も次第に高まっていきました。当時の音楽プロデューサー、トム・ウィルソンはこの傾向に鋭く気づき、理由はどうあれ、二人のボーカルに連絡を取ることなく、この曲を再制作することを決定しました。そして1965年6月15日、ウィルソンはオリジナルのアコースティック録音にエレキギター、エレキベース、ドラムのトラックを重ね、より時代感のある「フォークロック」バージョン（Electric Overdub）を制作しました。そして最終的に1965年9月にシングルとしてリリースされ、タイトルは「The Sound of Silence」に変更されました。

言うまでもなく、このバージョンは急速にヒットし、1960年代のフォークロック化の波に乗り、この曲は二人のボーカルが全く知らないうちに大ヒット。1966年1月1日には、アメリカで最も権威のある音楽チャート、ビルボードホット100で1位を獲得しました。この予期せぬ成功により、サイモン＆ガーファンクルは再結成し、迅速にさらに多くの曲を録音し、最終的に1966年1月にこのフォークロックの新バージョンをセカンドアルバム『Sounds of Silence』に収録してリリースしました。これ以降、このアレンジ版の「The Sound of Silence」はフォークからロックへの転換期全体をほぼ定義し、アメリカ音楽史における揺るぎない金字塔となりました。

その後も、サイモン＆ガーファンクルは彼らの原点であるこの曲を決して忘れず、様々な年代でこの曲のライブバージョンをリリースしてきました。そして年月を重ねるにつれて、この歌詞に込められた重厚感も、度重なる演奏と共にますます深まっていきました。特筆すべきは、時が経っても、彼ら二人が最も好む演奏スタイルは、初期の一本のギターによる純粋なボーカル演奏であったことです。過去数十年間、この曲は無数の人々にカバーされ、2015年にはポストモダンバンド「Disturbed」がヘヴィメタルスタイルでこの不朽の名曲を再びカバーし、その後再び大ヒットしました。これもまた、この曲が時代、ジャンル、文化を超えた独特の魅力を持っていることを証明しています。

「The Sound of Silence」は、詩的な歌詞、美しいメロディ、時代精神、そして伝説的な経歴を一身に集めた不朽の傑作です。埋もれかけたフォークの小品から、無許可ながらも大成功を収めた「アレンジ」を経て、最終的に世界中で歌われるクラシックとなり、サイモン＆ガーファンクルの音楽界での地位を確立しただけでなく、ポピュラー音楽の発展に深く影響を与え、異なる時代、異なる文化背景の下で人々の共感を呼び続けています。そして、世界中の数億人のリスナーに、この二人のリードボーカルの伝説的な友情を今日まで見届けさせています。

5、曲名：Csikos Post，歌手名：Czech Philharmonic String Quartet，アルバム名：Bouquet of Famous Melodies

『Csikos Post』（チャールダーシュの郵便馬車）は、ドイツの作曲家ヘルマン・ネッケ（Hermann Necke）が作曲したギャロップ（Galop）舞曲です。その極めて速いテンポ、覚えやすいメロディ、そして疾走感あふれるリズムで知られています。後世、この作品はアニメ、映画、ドラマ、ゲームなど、様々な場面で引用され、非常によく知られた音楽小品と言えるでしょう。この曲は1888年に発表されるやいなや大好評を博し、その後、様々な形式、異なる編成の演奏曲に編曲され、世界中のコンサートホールで輝きを放っています。

そして、Czech Philharmonic String Quartet（チェコ・フィルハーモニー弦楽四重奏団）による弦楽四重奏版『Csikos Post』は、世界で最も有名な編曲・録音の一つです。ヴァイオリン2本、ヴィオラ1本、チェロ1本のみで構成されるこの室内楽演奏は、驚くほどの明瞭さと正確さを保ちつつ、名人芸のように極めて高いバランスを維持しています。第一ヴァイオリンのメロディラインはクリアで明るく、第二ヴァイオリンとヴィオラは絡み合い、層が厚く立体感のあるハーモニーの織り地を提供し、最後にチェロが堅実で弾力性のある低音の基礎を提供し、曲の密度を埋め、他の声部の特徴を巧みに引き立てています。4つの楽器の間の連携は機械のように正確でありながら、感情の豊かさ、躍動感の強さは、まるで貴族の貴婦人たちが目の前で奔放に踊っているかのようです。演奏全体が活気と情熱に満ちており、聴いた誰もが精神を高揚させ、楽しい気分にさせられます。

6、曲名：私は許さない（我不原谅），歌手名：張碧晨（チャン・ビーチェン）

ここ数年、中国映画界では非常にリアリズムに富んだ作品が多く登場しています。例えば、今回張碧晨（チャン・ビーチェン）が主題歌を歌う映画『誤殺3』（誤殺3）は児童誘拐の物語を描いており、同じく唐恬（タン・ティエン）が作詞した映画『三大隊』（三大隊）の主題歌は、刑事追跡のテーマに焦点を当てています。このタイプの映画は、いくつかの残酷な現実を暴露し、一部の社会的不公正を批判していますが、基本的には人間の善意や正義の報いといった肯定的な結末に回帰することができます。新時代の重要な映画ジャンルとして、これらは間違いなく一般の観客の共感をより強く呼び起こし、これまでのいくつかの定型化された「主旋律」映画の固定観念から徐々に脱却しつつあります。

『私は許さない』（我不原谅）という曲に話を戻すと、実は『三大隊』（三大隊）の主題歌『人間道』（人间道）と非常によく似ています。まず映画のテーマとの関連性ですが、唐恬（タン・ティエン）は「一言も恨みを口にしないが、どのフレーズも恨みに満ちている」という歌詞を通じて、子供を失った苦しみ、加害者への訴えを控えめながらも強烈に具現化し、映画の中の「私の絶望を味わったことがないのに、どうして私に許せと諭せるのか」という感情を歌詞の中で爆発させ、張碧晨（チャン・ビーチェン）の力強い歌声と相まって、非常に強烈なドラマ的緊張感を生み出しています。

曲の冒頭では、子供を失った親族の口調で、心の内の堅持をゆっくりと語りかけます。「慈悲もなく、忘れもせず、理解もせず、畏れもしない」。これらの非情に見える言葉は、実は底知れぬ傷の直接的な反映です。中盤の「優しさを受け入れないこと（既に）が私の譲歩だ」「どうして嘘つきをのし上がらせることができようか」などの歌詞は、被害者側が持つ断固たる態度を力強く表現しています。最後に、「救済とは何か？それはこの世界の白黒、是非が永遠に濁らないことだ」という問いかけと叫びを通じて、感情をクライマックスに押し上げ、社会現実にさらなる問いを投げかけます。歌詞は段階的に深まり、個人の怒りと集団の共感を兼ね備え、また、実存主義哲学における「不条理への反抗」という精神的核にもかすかに呼応しています。

次に歌手の張碧晨（チャン・ビーチェン）について。彼女は既に様々な映画やドラマの主題歌の常連であり、歌ってきた『凉凉』（涼涼）、『笼』（籠）などの曲はヒット曲です。彼女の声質と映像作品自体の物語性はしばしば高度に融合しますが、その背景には彼女の強力な歌唱力と共感能力があり、曲中の感情の抑制と爆発を正確に捉えることができます。率直に言って、単なる爆発力はプロの歌手にとって難しくありませんが、適切な「抑制」はより実力が試されます。例えば、「凡庸な私、低い場所に立ち、浅い視点、私はただ気にかけるだけ（凡庸我、站的低、目光浅、我只管）」という歌詞では、張碧晨（チャン・ビーチェン）は早口で、まるでセリフのように吐き出し、聴く者に歌い手の抑圧された怒りと、火山噴火前の極限の感情圧縮を瞬時に感じさせます。そしてこれら全てが、「私の全てを奪ったのなら今すぐ返して（夺走我的所有现在就还给我）」という歌詞で、聴覚的にも感情的にも二重の解放を得て、その「怒り」を余すところなく表現しています。

7、曲名：空の箱(井芹仁菜、河原木桃香)，歌手名：トゲナシトゲアリ (TOGENASHI TOGEARI)

そろそろACG系の音楽を一つ入れないと、ブログ主が自分がオタクであることを忘れそうです。『空の箱』は、2024年のアニメ『ガールズバンドクライ』（Girls Band Cry）に登場するガールズロックバンド「トゲナシトゲアリ」が歌う楽曲です。作品全体の「魂」として、『空の箱』は物語の展開を推進する重要な曲であると同時に、このバンドの核心的な理念を全面的に表現しています。

『ガールズバンドクライ』は、濃厚な「漂泊」の雰囲気を帯びた作品です。バンドの5人のメンバーは、それぞれ生活や社会からの多重なプレッシャーや束縛を背負っています。起業失敗、家出、名家出身でありながら反抗的で早熟、攻撃的な言葉で内心を隠すツンデレ、そして海外を漂泊し、非難にさらされる者。それぞれ異なる背景を持ち、問題を抱えた5人の少女たちが、それぞれのこだわりから、巨大な都市で出会い、そして一曲の歌、一つの共通の理念によって結ばれます。作品全体を貫く『空の箱』の特殊性は、それが「敗者の賛歌」のようでもあり、「未完成の叙事詩」のようでもある点にあります。

“地図にはないはずの三叉路に今 ぶつかっているのですが”
“何を頼りに 進めばいいのでしょうか”

曲の冒頭で投げかけられるこの問いは、まさに「トゲナシトゲアリ」のメンバー全員が生活に対して抱く共通の疑問です。若者特有の無力感と迷い、人生の岐路でのためらいは、現代社会において同年代の人々、さらには経験者の共感を呼びやすく、この曲に「人生の失意者たちに捧げる」という基調を打ち立てています。曲名の『空の箱』について、日本文化において「箱」はしばしば「人生の器」と隠喩されます。これは「まだ満たされていない人生」とも解釈できますし、『ガールズバンドクライ』の物語における「社会のルール」への反抗精神（これもロック精神の現れです）と結びつけて、「社会に規律づけられていない、無限の可能性に満ちた人生」とさらに理解することもできます。

“やけに白いんだ やたら長いんだ”
“コタエはだいたい”
“カタチばかりの常識だろう”

次に、この曲の「リアル感」について話しましょう。日本のロックバンドとして、「トゲナシトゲアリ」の作品は当然ロックの「反抗」という本質を備えています。サビの歌詞は、日常生活に近いストレートな会話で、修飾や比喩を減らし、ボーカルはほぼ「シャウト」に近い歌唱法で、感情を直接的に発散させています。曲は冒頭で提起された様々な問題に対して明確な「答え」を提示していません。社会における抑圧が依然として存在するように、那些無形の「ルール」は依然として人生を束縛しています。彼女たちの叫びと共に、世界は即座に変わるわけではありません。『空の箱』は自己啓発本のように、あなたが既に知っている道理や、普遍的な「法則」を教え込むものではありません。結局のところ、束縛されている人々が、どうして他人に新たな足枷を簡単にはめることができるでしょうか。

“正解がなんだ 価値なんて無いんだ”
“あたしは生涯”
“あたし以外じゃ生きられないよ”
“これ以上かき乱しても明日はない”
“どう足掻いても明日はない”

第二のサビは、曲全体が最終的に表現する内容です。一般的な同様のシーンで、多くが相手に「どんなことがあっても笑顔で明日を迎えよう」と励ます大団円の雰囲気とは異なり、『空の箱』は異なる決意を帯びています。歌い手は明日の意味を否定し、代わりに現在（私としての私）の重要性を肯定します。歌の中では「妥協」への反抗、「ルール」へのもがき、「権威」への軽蔑が隠喩されており、さらには「自己」の完璧ささえも否定することを厭いません。このような強烈な「反ユートピア的」表現は、まさに現在「三叉路」でためらっている現代人の縮図であり、曲に隠された答えもまた明らかです――定義されることを拒否し、空白の中に自分自身を書き記すこと。これがブログ主が冒頭で述べた、全ての彷徨う者たちにとっての「未完成の叙事詩」である理由です。これは本当に、あまりにもロックです！

8、曲名：愛の詩，歌手名：末廣優里

寄り添うことは最も長い告白です。英雄伝説 軌跡シリーズは、ブログ主が最も長い時間を共に過ごしたJRPGであり、おそらく人類史上、単一の世界観で最も長く続いているゲームシリーズで、今年でちょうど20年になります。このシリーズが今日に至るまで発展してきた中で、本当に思い入れだけで続けているようなものですが、時のフィルターの前では、常にいくつかの美しい瞬間が心に焼き付いており、例えばこのシリーズ9作目のED曲のように、流れるたびに心にさざ波を立てます。

『愛の詩』の創作理念は純粋そのもので、歴代作品で培われた核心的な感情を凝縮し昇華させ、最も直接的な方法で表現しています。冒頭の連続する二つの情熱的な告白：「ただ愛してる」が、この曲の基調を決定づけています。全曲で22回出現する「愛」という言葉は、純粋で何の飾りもない感情の衝撃です。複雑な言葉遣いも、難解な比喩もなく、回りくどい表現も一切不要で、ただ純粋にあなたを愛している。このほとんど裸に近い率直さは、間違いなく聴き手と歌い手の間の距離を縮めます。そして歌い手、末廣優里さんの声に含まれる独特の執着と悲しみも、愛の言葉が重なるにつれて、曲中の感情をますます濃厚にしていきます。

『愛の詩』が初めて登場したのは、閃の軌跡シリーズ6年間の物語に終止符を打つためでした。作品の主人公が自己犠牲によって、非常に悲劇的な色彩を帯びた個人英雄主義的な結末を形作り、多くのプレイヤーに受け入れられました。歌詞の中で繰り返される「Let’s walk through life together」（共に人生を歩もう）は、長年プレイヤーに寄り添ってきたこのキャラクターが、最終的に運命の終着点へと向かう物語に非常によく合致しています。このような言語を越えた歌詞のデザインは、曲の表現形式を豊かにすると同時に、複数の文化に潜む文明の潜在意識を通じて、より多くの聴き手の共感を求めています。

9、曲名：花咲く道で，歌手名：手嶌葵 (てしま あおい)，アルバム名：花咲く道で

2025年の新アニメでブログ主が現在最も気に入っている一曲は、日本の国民的歌手、手嶌葵さんが歌う『花咲く道で』です。彼女はかつて宮崎吾朗監督と協力し、「コクリコ坂から」で歌った主題歌は、ブログ主が今でも大切にしている名曲です。さて、今回「魔女が死ぬまで」のために歌われたED曲ですが、これは叙情的でありながら、それだけにとどまらない優れた作品です。まず、手嶌葵さんの非常に個性的な、物語性を感じさせる歌声が、歌詞の中の優しさ、希望、そしてほのかな憂いを絶妙に表現しています。息遣いのコントロールと感情移入によって、歌い手は意図的に感情を煽ることなく、深く心を打つことができます。

次に、歌詞の描写が段階的に深まり、情景描写と人生の悟りを兼ね備えています。冒頭の一節「丘の向こうで雲雀が歌う 輝く空は未来の方へ続いてる」で、歌い手は伸びやかな曲調で、聴き手を一気に長い追憶、遠い期待の中へと引き込み、まるで手の届かない夢のような情景を創り出し、この曲の基本的な調子を定めています。

サビに入ると、「もう朝はいらないと 泣いたことはありますか？」という歌詞が、濃厚な苦痛と絶望をもたらし、より重々しくなります。歌詞と曲の中で、愛する人の死に直面した際の、あの途方に暮れる様が、言葉の上にありありと浮かび上がります。そして最後に「かなしみはずっと胸に残るけど やさしく色が褪せて いつか古びた布のように なつかしく」と、時が傷を癒し、悲しみを懐かしさへと沈殿させることで、上記の問いに答えつつ、歌い手の内なる強さと優しさを暗に示しています。

ここで非常に興味深いデザインについて触れなければなりません。上記でも述べたように、歌詞の最初の一行から、曲全体が濃厚な「追憶」感を帯びており、まるでずっと以前に起こった出来事を回想しているかのようです。このような創作方法は、歌い手と聴き手の間に、自然と分離感を生み出します。簡単に言えば、曲全体が雰囲気の醸成をより重視しており、これは梶浦由記さんの一貫した創作スタイルにも合致しています。この「分離感」のデザインは、より広大な感情共鳴の空間を創造するためです。聴き手はもはや特定のキャラクターに直接感情移入するのではなく、傍観者の視点から自分自身の過去の経験を省み、歌詞と合致する内容を見つけ出し、自発的に感情の共鳴を引き起こすのです。

「魔女が死ぬまで」のEDとして、このデザインは特に巧妙です――それは物語の各クライマックスの直接的な延長ではなく、視聴者に（EDの中で）静かで、余韻に浸り、思考するための空間を提供します。喪失、記憶、希望といったテーマが、歌声の中でゆっくりと沈殿し、最終的に優しく強靭な力へと変わるのです。これにより、楽曲は単なる感情の発散を超え、原作の物語に極めて密接に寄り添い、さらにはEDというシーンのために特別にデザインされることで、楽曲はさらなる昇華を遂げています。